Retrospektiv: Filmene fra Francis Ford Coppola

Uden tvivl er en af ​​de vigtigste amerikanske filmskabere i mediets historie Francis Ford Coppola. En tredje generation af italiensk-amerikansk, Coppola studerede ved UCLA og var en af ​​mange instruktører i den æra, der kom op under B-film maestro Roger Corman før han blev omfavnet af den filmatiske virksomhed efter at have vundet en Oscar for at have skrevet sammen “Patton”Og instruerer megahit“Fadderen, ”Ofte kaldet som en af ​​de største film nogensinde.



Med denne præstation blev Coppola den første blandt filmen brats, som inkluderede vener ligesom George Lucas og Steven Spielberg, for at få stor succes i resten af ​​1970'erne med to Bedste Picture Oscars (plus endnu en nominering) og to Palme D'or-trofæer i Cannes. 1980'erne var mere blandede, og 1990'erne endda moreso, før Coppola tog en lang pause fra filmskabelse (dog stadig stod som scion for en filmskabende familie, der inkluderer børn Sofia og Roman, nevøer Nicolas Cage og Jason Schwartzman, og barnebarn Gia), før han vendte tilbage i slutningen af ​​2000'erne med noget dristigt eksperimentelt arbejde.

Få instruktører har haft så varierede, svulmende og fascinerende karrierer, og med Coppola, der er fyldt 75 år i år, og en af ​​hans fineste resultater, ”Gudfaderen del II, ”Når han blev 40 år næste måned, virkede det som det perfekte tidspunkt at gøre noget, vi har ønsket at gøre for evigt: nemlig at se tilbage på hans arbejde i detaljer. Nedenfor finder du vores gave til dig til Thanksgiving-weekenden: vores retrospektiv af filmene fra Francis Ford Coppola. Fortæl os om dine favoritter i kommentarfeltet.



'I aften for sikker'(1962)



Enhver filmskaber har brug for at starte et sted, og nogle starter er mere ulykkelige end andre: for hver “Reservoir Dogs,' der er en 'Piranha 2. ”Coppolas første officielle instruktionskredit, 1962's“I aften for sikker”(Lavet da han kun var 22) er bestemt i den senere kategori, et knirkende times langt billigt sexexploitationsbillede, der ikke engang vagt antyder de kommende filmproduktionskoteletter. Medskrevet, produceret og instrueret af Coppola (med sin far Carmen scoringer og fremtidig Tarantino-favorit Jack Hill, helmer af “Switchblade Sisters,”Tjener som DP), det er en undskyldning for at vise så mange bryster som muligt, indrammet omkring en cowboy og et højere samfund, der slår sig sammen for at lukke en burlesk klub, der fortæller historier om skam og synd, når de sidder i klubben og vent til bomben sprænger. Indramningen af ​​et softcore-billede omkring to helte af moralstypisk flertal er en rimelig underholdende en, men dette er bestemt en instruktør i begyndelsen af ​​sin karriere: skud og scener kører længere end de burde, fotografiets temmelig svage og budgettet er i bedste fald minimalt. Fair play til Coppola for at drage fordel af en mulighed og få noget lavet, men dette har næppe endda nogen værdi som en kurio for de hardcore Coppola fans. [F]

'Demens 13'(1963)

Hammy, dårligt skrevet og tilsyneladende kastet sammen på en våd tirsdag, da der ikke var noget på tv, selv ikke efter den sliphod standarder Roger Corman fabrik / sweatshop / yngleplads til auteurs fra 1970'erne, “;Demens 13”; er en tydelig middels indsats. Bortset fra dens splashy titelsekvens, som er temmelig stor, men ikke har noget at gøre med filmen, er selv skæve fornøjelser tynde på jorden her, og det vil kræve mere besluttsomme auteurister, end vi er i stand til at finde for mange skyggerige spor af Coppola ’; s begyndende stil, undtagen måske et par pæne atmosfæriske blomstrer. Medskrevet af fremtidig udnyttelsesdirektør Jack Hill (“;Foxy Brown, ”; “;Cofarfay”; —Har du læst vores funktion om kick-ass-filmhelter?), Føles denne film bestemt mere af et stykke med det niveau af billighed end med “;Fadderen, ”; skønt det har få øjeblikke mellem den klangfulde, gentagne dialog og overflødige karakterer (der er en anden blondine, hvis fortællingsfunktion bogstaveligt talt er umulig at skelne), og handlingen muliggør et par halvvejs anstændige skræmme. Med en detaljeret beskrivelse af en voldsom kvinde ’; s plan om at glæde sig selv med sin afdøde mand ’; s velhavende familie i Irland og hendes forsøg på at bruge de uhyggelige omstændigheder i forbindelse med et elskede barns død som et middel til dette mål, før hun opdager, at en morder stadig er i det store , vi antager, at du kan beundre “; Dementia 13 ”; for at have bolde til at dræbe sin tilsyneladende hovedperson “;Psycho”; -stilen halvvejs igennem, og for den nye måde, som den formår at arbejde i lidt semi-nøgenhed. Ellers er det temmelig knirkende ting og stort set et for Coppola-kompletister, Corman-hengivne eller dem, der kun er interesseret i gimmicky marketingteknikker (lånere blev bedt om at sidde D-13-testen ”; og hvis de mislykkedes, ville vi blive bedt om at forlade teatret !!), selvom det 75 minutter næppe kan overgå sin velkomst. [C-]

“Du er en stor dreng nu” (1966)

Passende titlet til en film, der markerede instruktørens indtræden i mainstream, 'Du er en stor dreng nu”Har en vindende tillid, der markerer det som noget andet end det arbejde, der kom før, selvom der stadig var meget bedre. Baseret på romanen af ​​den britiske forfatter David Benedict og oprindeligt lavet som sin UCLA-afhandling, før han blev hentet til distribution ved Warner bros, filmen er en slags kommende alder-komedie om Bernard (Peter Kastner), en undertrykt ung mand stymmet af sine overbeskyttende forældre (Rip revet og en Oscar-nomineret Geraldine Page), og revet mellem en smuk skuespillerinde (Elizabeth Hartman) og en dejlig pige (Karen Black). Infused med en modkulturel ånd, der foregik, men blev overskygget af film som 'Graduate, ”Især takket være en smadrende sang fra The Lovin 'skefuld, det er en interessant blanding af old-school-skrueboldkomedie og britisk / fransk New Wave-påvirket stil: selvom Coppola ikke havde fundet sin egen instruktørstemme endnu, er der en svingning til filmen, ikke mindst i et knækkende åbningsskud, der introducerer Hartman i en lys gul kjole. Forestillingerne er den største afhentning: Kastner (en dobbelt for MAD Magazine-maskot Alfred E. Neumann) bringer en tiltrækkende hovedrolle, Page er neurotisk mindeværdig, og Julie Harris er fremragende som Bernard's udlejer. Langt fra en klassiker, men bestemt starten på Coppola, vi lærte at kende og elske. [C +]

“Finian's Rainbow” (1968)

Gode ​​meddelelser og brummer rundt “Du er en stor dreng nu”Så Warner Bros. leje Coppola for at styre deres tilpasning af 1947-scenen”Finian's Rainbow, ”En film, der viste sig at være en af ​​de sidste i posten“Sound Of Music”Bølge af dyre, langvarige roadshow-musicals. Det var en underlig pasform (hovedsageligt fordi de troede, at Coppola ville være billigt), og resultatet er forudsigeligt underligt og næppe en succes, især ikke økonomisk, men du kan helt sikkert få nogle fornøjelser derfra. Det snoede plot, der involverer en irsk immigrant far-datter combo (Fred Astaire, vender tilbage til filmmusikaler for første gang i elleve år, og Petula Clark), a leprechaun called Og (Tommy Steele) forfølger en magisk gryde med guld og en racistisk senator (Keenan Wynn) forvandlet til en sort mand for at kurere ham for sin racisme, er både vindende progressiv og desværre dateret. Men der er en lignende urolig dikotomi som filmen som helhed: Coppola ville smelte sammen med sine nye fangede følelser med en hyldest til Minnelli og Demy, Warners ville bare have ham til at gå videre og skyde tingene, og resultatet er meget ujævnt ved mindst tredive minutter for lang, og undertiden dødskedelig - især da det mangler anstændige sange. Det er bestemt rist steder, især når den fremtrædende smækbare Steele er på skærmen. Men som så ofte - med Clarks lysende præstation, med chancen for at se en 69-årig Astaire stadig skinne, er en nyfundret sårbarhed i hans engang superheltiske bevægelser takket være hans alder, med Coppolas dybt følte indvandring til USA med et genialt togsnit, der er en af ​​denne forfatteres favorit nogensinde - filmen børster mod storhed. Instruktøren er temmelig nede på filmen, i det mindste ifølge hans DVD-kommentar, men han er et hårdt touch på sig selv. [C +]

john hørte sopranos

“; Regnfolkene ”; (1969)

Et godt udgangspunkt for dem, der ønsker at spore Coppola's nye historiefortællingsstyrker, “;Regnfolket”; er synlig som værket af samme Coppola, der kun få år senere ville begynde at knuse alle dem, der stod foran ham i den amerikanske filmindustri med et angreb på mesterværker … den samme Coppola, vi desperat ønsker, var stadig i dag. Historierne bag kulisserne bag dette billede er næsten blevet større end selve billedet, især en af ​​hvordan George Lucas hang rundt på sættet og filmede en dokumentation, der hedder “;Filmskaber”; (i øjeblikket desværre ikke tilgængelig), som Coppola senere ville kalde bedre end sin egen film, så det er let at glemme, hvor høj “The Rain People” faktisk står på sine egne fødder. En af Coppolas eneste originale manuskript, filmen er en indsigtsfuld skildring af en engagement-fobisk husmor, der gennemgår noget af en identitetskrise, da hun er på randen af ​​at blive mor. Shirley Knight spiller hovedrollen, det drejer sig om, Natalie, der på sin vej gennem selvopdagelse samler op James Popular’; s hjerneskadet lifter og bliver igen afhentet af bare almindelig beskadiget vejmand Robert Duvall. Det er uden tvivl groft rundt om kanterne og den pludselige ende afslutter Natalies bue temmelig flippende, men med en sulten rollebesætning af sådan en kaliber og et temmelig originalt tema for sin tid giver vi 'The Rain People' to forsikrede tommelfingre op. Hvis det ikke er andet, kan du se det som et eksempel på den eneste måde, flashbacks skal bruges i film, og en øvelse i at opbygge en intim atmosfære. [B]

'Fadderen'(1972)

Var Hollywood til at konstruere en slags kvasitisk Mount Rushmore af uangennemsigtige studioklassikere, bestemt “;Citizen Kane, ”; “;Casablanca”; og denne massivt succesrige episke gangster melodrama ville optage tre af de fire slots. Rider højt efter at have vundet sin første Oscar for co-Writing 1970 ’; s “;Patton, ”; Coppola havde nok cachet til at blive overvejet af Paramount - skønt han ikke var studiets første valg - for dets store budget Mario Puzo’; s bestseller. Selvom en tidlig forhindring var filmskaberens egen lille modvilje: Coppola selv var ikke død om at skabe billedet, men da han fandt et personligt tematisk indgangspunkt, tog han det alligevel på. Og dermed leverede han den episke saga fra Corleones, som uden tvivl vil sidde for evigt ved spidsen for biografets legendariske kriminelle familier. Og med god grund. Selvom nogle smarte kritikere tappert tapper sig for en revisionist, langt mindre effusiv overtagelse “;Fadderen, ”; dens arv vil vare af mange grunde, især blandt dem Marlon Brandoer uendelig imiteret, sent-karriere-definerende tilstedeværelse, men også fordi det ’; er en sådan sjældenhed i studiofilmfremstilling: lavet til voksne men tilgængelig for alle, kunstnerisk konstrueret på hvert enkelt produktionsniveau, episk og alligevel dybt personlig, begge sin tid (den tid, den blev lavet, og den tid, den er indstillet) og fuldstændig tidløs. Det er en skam, at Hollywood ved udgangen af ​​den auteur-drevne 70'ere var begyndt at fokusere mere intensivt på at finde den nye “;Star wars”; i stedet for at skabe de betingelser, der ville skabe den næste ‘ Godfather ’ ;, men blockbuster-succes dog ”Fadderen”Var, lidt kunne sammenligne med Lucas 'plads western med hensyn til billetkontorudtagning, og dermed går filmhistorien. Ligegyldigt hvad, vi ’; ll har altid dette mesterværk, skåret ind i Mount Rushmore fra filmhistorien. [A +]

'Samtalen'(1974)

Intelligent, elektrisk og dybt, dybt foruroligende “;Samtalen, ”; skønt det sjældent er den første titel, som nogen nævner i forbindelse med Coppola, er det helt sikkert på niveau med de første to “;Fadderen”; film, hvilket gør det til en af ​​de største amerikanske film i 1970'erne. Hvilket igen gør det til en af ​​de største amerikanske film gennem tidene. Det er ikke kun et ekstraordinært performancestykke, der byder på en central sving Gene Hackman som den (i stigende grad med rette) paranoide hovedperson, der rangerer blandt skuespillerens fineste øjeblikke, men en knitrende højspændings-konspirationsfilm, der fik tilføjet resonans af den daværende nylige Watergate-skandale, der fandt den svigagtige forbindelse mellem magnetbånd, personlig moral og politisk magt -playing. Det er så mange andre ting også, ikke mindst en hyldest til Michelangelo Antonioni’; s “;Sprænge i luften”; (som senere ville inspirere en af Brian De Palma’; s bedste film “;Blæs ud”; som også tog en lydisk skråning på det visuelle puslespil fra originalen). Men hvad ’; s forbløffende og fuldstændig tidløs ved “; Samtalen ”; er hvordan det er alle disse ting, der indeholder lag og forviklinger og uhyggelige, uhyggelige kroge og kroge. Alligevel er det en så sparsom, elegant film, i alt fra sit look, til sit reducerede rollebesætningsspil, til sin pared-back, utilitaristiske dialog, at den svarer til det modsatte af den spredte, strukturerede, multi-generationelle mafia-epos, som Coppola med havde lige opkaldt sit navn. Alligevel fordi det er så forskelligt fra “;Fadderen”; og dens efterfølger og endda fra den enorme ambition og den operatiske skala fra “;Apokalypse nu”; det ’; s “; Samtalen ”; der virkelig underbygger Coppola ’; s krav på storhed: kun en reel visionær kunne muligvis have vendt sådanne yderst klassikere i så vildt forskellige registre. Med fantastisk støtte fra John Cazale, Harrison Ford og Robert Duvall, og stjernernes lyd- og billedredigering fra mastereditor Walter Murch, “; Samtalen ”; vandt Palme d ’; Eller tabte alligevel Oscar for bedste billede til “; The Godfather II. ”; Men som en meditation om det falske forhold mellem teknologi og sandhed og et fremragende lavet mesterværk af slowburn af kontrolleret, rasende filmproduktion, er det uovertruffen i Coppola & ss canon og i stort set alle andre ’; s. [A +]

'Gudfaderen del II'(1974)

Angsten ved at følge op en enorm succes (og vi skal huske, at dette er længe før det tidspunkt, hvor efterfølgende izing af en hitfilm blev standardpraksis) syntes kun at brænde de kreative juice i Coppola, og så efter allerede at have slået den første film ud af i parken, fordoblet han ambitiøst omfanget og historieforholdene for sit andet og helt definitive blik på Corleones. Et så mest muligt værk som 'The Godfather' var ikke tilgængeligt, og Coppola lavede en endnu bedre efterfølger og skabte en armfuld Oscars for hans problemer. På mange måder er ‘ del 2 ’; var forløber for den slags prequel-tilgang, der er blevet meget mere udbredt siden, men alligevel var Coppola smart nok til at indse, at det simpelthen ikke er nok at give publikum en oprindelseshistorie. Og det følger med dette, stadig den regerende konge af efterfølgere, at Vito Corleone ’ (her portrætteret af en ung, strålende Robert De Niro) backstory spiller sammen med den af ​​hans søn og arving, Michael (stadig en af Al Pacino’; s største forestillinger), sporing parallelt og lejlighedsvis i kontrapunkt Michael's nedstigning i mørke og mesterligt fremkalder uundgåeligheden af ​​personlig skæbne, familie og arv. Der er en smuk romanistisk kvalitet til dette kapitel i den eventuelle trilogi, hvilket måske er endnu mere end i Puzos originale bog, der er mere af en lempet sommerlæse end en fordybende saga. Meget af det stammer fra strukturen, der gjorde det muligt for Coppola og hans tre redaktører at bevæge sig problemfrit mellem forskellige epoker i en enkelt redigering, hvor hver række kommenterer fortiden og forudsigger fremtiden. Dette er en seriøs, dristig og kunstnerisk biograf i enorm skala, uden at være bange for at håndtere faktiske konsekvenser og frygtløs slutte med en ekstremt mørk note. Det er fyrre år siden, at filmen ramte biografer, men i de fire årtier er intet, ikke fra Coppola eller andre, kommet tæt på. [A +]

'Apokalypse nu'(1979)

Efter hans en-to-stans i 1974, meget sandsynligvis det største enkeltår for en enkelt instruktør i filmhistorien, gik Coppola dybt ind i sit eget mørkehjerte og skabte lige så den definitive Vietnam War-film. Alligevel kom det til en stor pris. “;Apokalypse nu, ”; for alt dets filmiske troldmand, massive omfang og ambitioner og hallucinatoriske, batshit lunacy, syntes at tage noget ud af den allerede legendariske filmskaber på dette tidspunkt. Det er et andet mesterværk, et mere ubesværet end hans foregående tre film, men som en enorm forening af on-and-offscreen-temaer, af filmskaber, der er i konflikt med emne og modgang, der tvinger både kompromis og kreativ ekspansion, som Hollywood-filmskabelse måske nogensinde har givet os. Med tiden gået siden Martin Sheen'S uendelige, sjælsugende rejse ned ad den uendelige, træg, onde flod, kan vi sige nu, at det markerede afslutningen på store Coppola periode, men åh dreng sluttede han med et smell. På dette stadie lavede og brød Coppola sine egne regler og opdagede, at derude, så langt foran og bortset fra alle andre, lå vanvid. Offerdrab på Marlon Brando’; s Kurtz ved filmen ’; s klimaks er endnu mere hjemsøgt i dag; en passende metafor for, hvad Coppola gav for at afslutte filmen. Og hvis du synes, vi er alt for melodramatiske, ja, det er vi vel, men som også den store fremstilling af dokumentar “;Hearts of Darkness: En filmskaber ’; s Apocalypse”; viser, filmen blev denne næsten levende enhed, en enorm modstander, der næsten var bedst for instruktøren. Hans efterfølgende filmografi viser, at selvom der er nogle gode, lejlighedsvis endda imponerende, værker, der findes, men han aldrig mere nærmet sig de svimlende højder i 70'erne. “; Apocalypse Now ”; er den sidste virkelig store film, Coppola har lavet til dags dato. [EN]

'En fra hjertet'(1982)

Dette var filmen, der viste sig at være en så kostbar boondoggle, at Coppola hævdede at arbejde meget af de to årtier, der fulgte efter filmens frigivelse, bare for at forsøge at tilbagebetale de gæld, han pådrog sig under filmens produktion. For så vidt angår boondoggles, er denne dog temmelig interessant - et stilistisk fedt, rig forestillet riff på de klassiske musicals fra yore (Coppola skød endda filmen i det boxy Academy-format på 1,37: 1). Det er historien om et par tumult elskere (spillet af Teri Garr og Frederic Forrest) der splittede sig og finder nye elskere (spillet af Raul Julia og Nastassja Kinski), kun for at komme sammen igen. Det er bogstaveligt talt hele fortællingen. Nogle af rollebesætningerne, især Garr, der er sexet og yndig (prøveeksempel på dialog: 'Jeg vil gå ud med en masse fyre; jeg vil have, at erotiske ting skal ske!'), Giver deres forestillinger den buede oomph, som Coppola bevidst kunstig æstetik kræver, mens andre, hovedsageligt Forrest, rister mod den samme æstetik på alle slags ubehagelige måder. Og selvom der blev leveret en masse læbe service til, at filmen var en musikalsk ærlig gud, var faktisk ingen af ​​kunstnerne faktisk synge så meget, og ingen danser engang før næsten en times tid ind i filmen (de grinede sange af Tom Waits er heller ikke nøjagtigt mindeværdig). Mens filmen er en af ​​de mere smukke Coppola-produktioner, takket være stort set de svimlende sæt (den blev filmet udelukkende på de amerikanske Zoetrope-lydscener i San Francisco) og fløjlsagtig filmografi af Vittorio Storaro, der fanger handlingen i en serie af lange, ubrudte tager, den tilføjer ikke meget, og ofte skifter den åbenlyse stilisering fjernet seeren fra filmens følelsesmæssige centrum. Da filmen blev frigivet, var det en absolut katastrofe og tjente under en halv million dollars på et budget på mere end $ 26 millioner. Selvom der har været nogle halvhjertede genvurderinger gennem årene, forbliver filmen, der svinger mellem hektisk og funereal, en pragtfuldt forgyldt lam duck. Som Forrest siger, i slutningen af ​​filmen: 'Hvis jeg kunne synge, ville jeg synge.' Dette er et problem, som filmen deler som helhed. [C +]

'Udenfor'(1983)

Den kultstatus, den har opnået siden dens frigivelse, og dens forbløffende rollebesætning af fremtidige superstjerner, kombineres nu til noget at oversvømme vurderingen af ​​“;Udenfor, ”; noget, der ikke hjalp af genudgivelsen i 2005 i en væsentligt omarbejdet version, der tilføjede 22 ekstra minutters optagelser og erstattede hele segmenter af Carmine Coppola’; s originale score med popsange fra 1950'erne, hvor det er indstillet. Men selvom det praler med nogle meget gnistrende forestillinger fra dets fremragende unge rollebesætningC.Thomas Howell, Ralph Macchio, Rob Lowe, Matt Dillon, Diane Lane, Emilio Estevez, Tom Cruise og især ved en nylig omvoksning var den perenialt undervurderede Patrick Swayze), Coppola's tilpasning af S.E Hinton’; s elskede teenagerklassiker forbliver en underligt uudtættende affære, og delvis er dette nede til en grundlæggende afbrydelse af indhold og form. Coppola forstod historiens grus, som drejer sig om en gruppe børn fra den forkerte side af sporene, der sammenfiltrede med de lokale rige børn med tragiske resultater, og tilsyneladende krævede en sådan sandhed, at den kirkelige brændende scene næsten næsten blev en rigtig forbrænding. Men han giver også fri tøj til næsten nøjagtigt den modsatte impuls. “; De outsidere ”; er forbløffende smuk (bedøvelse Stephen H Burum kinematografi) at se på, og om det ’; er den sprudlende ungdommelige skønhed af dets rollebesætning eller de spektakulære solnedgange og stiliserede rumler om natten, det tilføjer en undgåelig glans af glamour og et filter af nostalgi til hvad der skulle være en rawer, mere påvirkende og øjeblikkelig historie. Tilfælde: den poetiske scene mellem Macchio og Howell, der er skudt for bevidst at henvise til filmversionen af ​​“;Borte med blæsten, ”; bogen, de lige har læst. Tilsvarende betyder Coppola nær avantgarde brug af musik (partitur i originalen; sange med distraherende næse-tekster i genudgivelsen), at hele dialogbånd er uhørlige og actionscener, så desperate og dramatiske som de skal være, påtage sig en romantisk, balletisk kvalitet. Alt dette tjener simpelthen til at drive en kil med stil mellem seeren og karaktererne. Du tænker måske efter den økonomiske katastrofe i “;En fra hjertet”; Coppola ville være i tuklet, dæmpet form, men “; De udenforstående ”; er måske på overfladen et mindre ambitiøst projekt, men filmskaberen er overalt, til tider endda på vej. [B-]

“;Rumble Fish”; (1983)

Mens “;Hunger Games”; og dystopisk sci-fi er alt det vrede, det er sjovt at huske, at unge voksne romaner, omend af en meget anderledes stribe, også var på mode i 1980'erne. Og så bælte Coppola ud to S.E. Hinton tilpasninger i det tidlige halvdel af tiåret, som begge blev frigivet i 1983. Mens mindre betragtning end den stjernespækkede, mere kommercielle “;Udenfor, ”; “;Rumble Fish”; er det langt mere udførte arbejde. Meget mere åbenlyst eksperimentelt, ekspressionistisk og læner tungt på den franske New Wave. Filmen er en dristig, lunefuld og skarp sort-hvid udforskning af teen angst og afsky. Og så startede det selvfølgelig for alvor karrieren ikke mere ultra skuespiller for ungdommens desillusionering fra den tid: Matt Dillon der allerede var med i 'Udover kanten”Og“Tex”(Sidstnævnte også en S.E. Hinton-tilpasning) samt“Udenfor.”Med en uortodoks score fra Politi trommeslager Stewart Copeland (som som førstegangskomponist måske endnu ikke var fuldt indstillet på mediet), nogle ret avant garde, film noir-stilisering og slående lyddesign, der kapitaliserede på den hysjede og hviskende intonation fra Mickey Rourke, “; Rumble Fish ”; centrerer om en nedslidt båndleder, der søger at ændre sine måder (Rourke) og den yngre bror, der ærer ham og ønsker at efterligne ham på enhver mulig måde (Dillon). Medstjerne Coppola-mus Diane Lane og Dennis Hopper med optræden efter Nicolas Cage, Laurence Fishburne og Tom Waits, Coppola skrev manuskriptet med Hinton i løbet af deres fridage til at skyde “; De outsidere ”; (hvordan er det for multitasking?). Style truede med at overvælde stof i Coppola ’; s-film mange gange i løbet af hans karriere (“; One From The Heart ”; er et godt eksempel), og “; Rumble Fish ”; er et polariserende arbejde i Coppola-kanonen i denne henseende. Filmskaber selv så filmen som sin fortjente kunstneriske godbit for at levere den mere konventionelle studieindsats af “; Outsiders ”; (Coppola var et kortrækkende medlem af klubben ”en for dem, en for mig”). Stilfuld og kraftig, der kan prale af en atmosfære af sved undertrykkelsesevne og en arresterende sej visuel behandling, “; Rumble Fish ”; er et stort ægteskab med poesi og lidenskab, der leverer begge i lige, varig mål. [B +]

“;Cotton Club”; (1984)

Det er let at se, hvad “;Cotton Club”; var beregnet til at være - et spredt, farverigt, flerstrenget kriminaldrama, der ville gøre for Harlem Jazz-scenen i 1930'erne, hvad “;Fadderen”; havde gjort for mafiaen efter New York. Et lidenskabsprojekt af superproducent Robert Evans, der havde designet filmen som sin egen instruktørdebut, var der ikke blevet sparet nogen udgift på den overdådige forproduktion, inklusive ansættelse af Coppola, sammen med William Kennedy, at omskrive Mario Puzo’; s manuskript. Så da Evans pludselig bad ham om at tage over et par uger før optagelsen skulle starte, i Coppolas ord, havde “; Evans sat tonen for niveauet for ekstravagance længe før jeg kom der. ”; Har brug for et bona fide-hit efter to smådramaer i teenagere og konkursfejlen i “; One from the Heart, ”; Coppola fandt det ikke med denne film, der skræddersyede den nysgerrige slags skuffelse, hvor enkeltelementer er lovende, lejlighedsvis endda spændende (især de sublime taprutiner fra Gregory og Maurice Hines) men er sammensat med (ironisk nok) en forbløffende mangel på rytme. Brug alt for meget tid på den ledige kærlighedstrekant mellem tre tyndt tegne, blanke hvide hovedpersoner (Richard Gere’; s trompetspiller, Diane Lane’; s ambitiøse mollespån og James Remar’; s onde mobster hollandske Schultz), og at nedlægge de meget mere interessante race- og klassespørgsmål til status som subdiagram, baggrundsstøj eller 'lokal farve', lider filmen af ​​en mangel på indre momentum og føles underligt udramatisk. Måske er det fordi alt dramaet skete udenfor skærmen: “;Apokalypse nu”; får pressen for sin mareridt produktion, men “; The Cotton Club ”; (ud over Evans ’; overbevisning for kokainhandel, som skete et par år før optagelse begyndte), så man også massive omkostningsoverskridelser, som Coppola og Evans ville bebrejde hinanden for i den grove lovlige krangel, der fulgte efter filmens underprestation. Og det havde endda et mord, da en af ​​filmens bagmænd (ikke den arabiske våbenhandler, en anden!) Blev skudt gentagne gange i hovedet og derefter sprængt med dynamit i et kontraktdrab, der blev bestilt af en kollega, der var vred på at være presset ud af en producent ’; s rolle. Alt sammen er desværre meget mere interessant end selve filmen, skønt vi kunne se Gregory Hines tapdance stort set for evigt. [B-]

“;Peggy Sue blev gift”; (1986)

Som en enhed er vi på playlisten “;Ungdom uden ungdom”; undskyldninger, men hvis nogen leder efter et uendeligt mindre overbærende, mere tilgængeligt, skummende, lyserødt sukkerholdigt tag på et par af de samme emner, leverede Coppola et helt tilbage i midten af ​​firserne, nemlig “;Peggy Sue blev gift. ”; Medvirkende Kathleen Turner som Peggy Sue er filmen også kendt som en af ​​de meget sjældne lejligheder (“;Regnfolket”; sandsynligvis være den anden) når Coppola, som regel så afstemt til at undersøge maskulin ego, hubris og grandly, fortæller sin historie fra et kvindeligt perspektiv. Og det fungerer overraskende godt, da Peggy Sue føles som en rigtig kvinde og får en slags agentur, der ikke kun skyldes hendes modernitet, når hun på mystisk vis bliver transporteret tilbage fra sin teenageår i 1950'erne, men som markerer hende som en finurlig, individuel Karakter; en kvinde med skuffede drømme og uudnyttet potentiale. Også medvirkende til Coppola's nevø Nicolas Cage i en tidligt definerende rolle (det næste år ville føre hovedroller i “;At hæve Arizona”; og “;Moonstruck”) og med Joan Allen, Helen Hunt og Jim Carrey i biroller, ‘ Peggy Sue ’; er bestemt ikke en særlig dyb film, men den har meget hjerte og en slags oprigtig optimisme under dens “; anden chance ”; forudsætning. Det kan også ses som Coppola's mindre kursus-korrektion efter en række boksefejl, der spænder fra underpresterende til katastrofer: Filmen blev Coppolas første rigtige hit siden “; Apocalypse Now. ”; Det er også første gang, han virkelig forgrunde ideen om tidens gang, den grusomhed, den kan påføre, og den visdom, det kan skabe, og her finder Coppola desuden det perfekte hjem til sin kærlige nostalgi mod hans egen 50-årige kommende alder. Måske en outlier i Coppola ’; s kanon rent fordi den ’; er så krævende, sød og så ukompliceret glad for alle dens karakterer, “; Peggy Sue blev gift ”antyder, hvordan Coppola blev mindre auteur end en instruktør-for-leje, men havde stadig nok flair og personlighed til at forsikre os om, at det er nogen undtagen en rejsemand bag kameraet. [B]

“Gardens Of Stone” (1987)

Selv glemt efter standarderne i nogle af Coppolas andre værker i 1980'erne og 1990'erne, 'Gardens Of Stone”Ser direktøren vende tilbage til krigen i Vietnam otte år efter“Apokalypse nu, ”Men fra et meget andet synspunkt. Det er et sober og værdigt billede med en fremragende rollebesætning, men sammenligningen med det tidligere militære mesterværk favoriserer det bestemt ikke. Baseret på bogen af Nicholas Proffitt og tilpasset af Ron Bass, det centrerer om surrogatfader / sønns forholdet mellem den trætte karrieresoldat Lt. Hazard (James Popular, der er fremragende her), og kamphængende specialist Willow (D. B. Sweeneymindre end det), der tjener sammen i den 'Gamle Vagt', der leverer de ceremonielle opgaver ved begravelser af faldne soldater på Arlington Cemetery. Willow er desperat efter at tjene i Vietnam på trods af, at han bare gifter sig med sin barndomskæreste (Mary Stuart Masterson), men Hazard, efter at have tjent der, mener det er en frygtelig krig og prøver sit bedste for at holde drengen i live. Det er et delikat og ukarakteristisk mørkt billede fra Coppola, instrueret uden meget i vejen for at blomstre og fokuseret mest på forestillingerne. Hvilke for det meste er meget stærk: dette er sandsynligvis en af ​​Kaan's fineste timer og pålidelige supportartister som Angelica Huston, James Earl Jones, Dean Stockwell, Elias Koteas og 'Apocalypse' veteraner Sam Underdele og Laurence Fishburne alle gør stærkt arbejde. Filmen hænger ikke helt sammen, på en eller anden måde, men det er forståeligt: ​​Regissøren var i forproduktion, da hans 22-årige søn Gian-Carlo blev dræbt i en hurtigbådulykke (Ryan O’Neal 'sønnen Griffin, oprindeligt kastet i Sweeneys del, var ansvarlig for hændelsen og blev omarbejdet som et resultat). Denne viden giver filmens skildring af sorg og fædre og sønner tilføjet patos, men det forklarer måske også, hvorfor Coppolas hjerte måske ikke har været i det. [B-]

'Tucker: Manden og hans drøm'(1988)

sæson 5 afsnit 9 tronspil

Et af de mere forbløffende overset poster i Coppolas oeuvre, 'Tucker: Manden og hans drøm' er en dristig, voldsom biopik af Preston Tucker (spillet af en knitrende Jeff Bridges), en visionær efterkrigsbildesigner, hvis historie Coppola forvandles til en feel-good amerikansk myte. Oprindeligt forestillet som en eksperimentel musikalsk biografi (disse elementer blev heldigvis skrotet), 'Tucker' er i stedet en alvorlig udforskning af en mand, der deler mere end et par karaktertræk med Coppola selv - et sind mod nyudviklet teknologi, en anti-autoritær streak, en mangel på finanspolitisk ansvar (du kan ikke undgå at tænke på Coppola, når nogen klikker på Tucker, “uanset hvor meget han tjener, formår han at bruge dobbelt så meget”) og en dybt tro på familiens magt. Og selvom nogle af de mere outré-ideer, som Coppola oprindeligt havde i tankerne til filmen blev forladt, har 'Tucker: Manden og hans drøm' stadig en række ret vanvittigt stilistiske blomstrer - Capra-enske uddannelsesfilmrammer og fortællinger, nogle smarte overgange (efter Preston beklager, at han måske har 'ringe pladser til din egen korsfæstelse,' Coppola skærer straks til en kæmpe T, der heises op i himlen), og en stor brug af on-set “Split-screen” (med to skuespillere, der taler i telefonen til hinanden, fra forskellige placeringer på samme lydbillede). Dette var en historie, som Coppola var døende til at fortælle fra en ung alder (hans far var en af ​​de første investorer i Tuckers bil), men han var kun i stand til at få filmen finansieret, da George Lucas, mens han var i sæt 'Kaptajn EO”(Se nedenfor), tilbudt at finansiere hele produktionen selv. Senere beklagede Coppola, at filmen ikke var det, han kunne have opnået i løbet af sin kunstneriske højdepunkt, men det betyder ikke rigtig noget: “Tucker: The Man and His Dream” er en mindre klassiker, fuld af fremragende forestillinger (som f.eks. Martin Landau, Joan Allen, Elias Koteas, og i filmens mest hjemsøgende rækkefølge, Dean Stockwell som Howard Hughes), jazzy musik (høflighed af Joe Jackson) og en entydigt irreverent, zippy galskab, der er positivt smitsom. [B +]

'New York Stories”- segment:“Livet uden Zoe'(1989)
Antologien “New York Stories”Var et forbløffende udsigt, da det havde premiere på Cannes i 1989, sammen med det, som det gjorde for første (og sidste) gang tre af amerikanske biografs mest ærede figurer, med Coppola der tjente som udfyldning af en sandwich med shorts mellem Martin Scorsese”Livslektioner”Og Woody Allen‘S“Oedipus-vrag. ”Fyldstof kan være den mere passende udtryk for Coppolas”Livet uden Zoe”- filmen er let den svageste af de tre mini-film (faktisk er det kun Scorseses, der er værd at være optagelsesprisen), og en af ​​de mest disponible ting, som instruktøren nogensinde har lavet. Filmen centrerer om en forkælet ung rig pige (Heather McComb) hvis feudende forældre (Giancarlo Giannini og Talia Shire) splittes, og som efter hendes lejlighed er blevet frarøvet siger for at returnere et smykke til en arabisk prinsesse. Det er sandsynligvis blevet mere interessant nu, end det var på det tidspunkt: i sin undersøgelse af ennui og privilegium fungerer det som en slags forløber for instruktørens datter Sofias arbejde. Som sådan, fans af 'Et eller andet sted”Eller“Bling ringen”Kan måske finde noget at lide. Vi finder filmen temmelig tom og kedelig, især dårligt tjent med at følge Scorsese's indtræden, med Don Novello den eneste virkelige gnist i livet som McCombs butler. [D]

'Gudfaderen del III'(1990)

Få film i historien er blevet så varmt forventet som 'Gudfaderen del III. ”Komende 16 år efter“ Del II ”var treparten nødt til at skuffe mange og har et ry som et misfire, men næsten et kvart århundrede er mere end værd at revurdere, selvom det ikke gør det rammede ganske højt af sine forgængere. Set som 1970'erne bliver til 1980'erne, på baggrund af de sidste dage af pave Paul VI (og den kortvarige John Paul I), ser det Michael Corleone (Al Pacino) stadig svøbt med skyld over Fredos død og forsøger at gå direkte med en enorm landaftale, der involverer Vatikanet. Men berømt, bare når han troede, at han var ude, trækker de ham tilbage ind og planlægning af håndhæver Joey Zasa (Joe Mantegna) og Don Altobello (Eli Wallach) sammen med ankomsten af ​​Sonnys bastardsøn Vincent (Andy Garcia), ser ud til at sprænge planen og føre til tragedie. Filmen (hastigt sammensat, når en semi-tilbageholdende Coppola stod overfor økonomiske vanskeligheder såvel som Paramount der har brug for en ferieblokkebuster i 1990) gør uden tvivl fejltagelser: Pope-attentat-plotet og nogle af actionsekvenserne er langsigtede på en måde, som de tidligere film aldrig var, scriptet finder aldrig en tilfredsstillende måde at integrere igen Diane Keaton'S Kay, der føler sig overflødig, og ja, Sofia Coppola er miscast som datter Mary. Men det er stadig et muskuløst, seigt kriminalitetsbillede, spredt tilfredsstillende og væsentligt med katolsk skyld, og med forestillinger (Pacino, Garcia og Mantegna er særlig gode) og scener, der kan stå imod alt i trilogien. Måske er vi blødgjort til billedet takket være serialiseringen af ​​film og fremkomsten af ​​kabeldrama, som dette fungerer som noget af en forløber for. Men vi vil fastholde, at 'The Godfather Part III' ikke er den falske note, at mange beskylder det for at være det. [B]

“; Bram Stoker ’; s Dracula ”; (1992)

Grænser mod kitsch og lejlighedsvis vælter, er der to vigtigste ting, der stopper “Bram Stoker's Dracula”Fra at gå ud i den altomfattende campiness, der truer med at opsøge bestræbelserne: Gary Oldman’; s vildt over toppen, men alligevel på en eller anden måde frygtelig underholdende præstation som den blodtørstige mørke fyrste og den overdådige, skinnende, skånet-uden-omkostning æstetik, der giver ny betydning til ordet overdådige. Det i 1992, og du har lige plettet det umiskendelige omdømme for en af ​​de mest respekterede filmfranchiser gennem tidene og din egen kroneherlighed ved at instruere “;Gudfader III.”; Hvad laver du? Mødes med Winona Ryder, tilsyneladende (Ryder var berømt på grund af at spille en rolle i den tredje 'Godfather' rate, der derefter gik til Sofia Coppola, hvis præstation kom ind for brorparten af ​​den afvisning, der blev hammet på filmen). Det var Ryder, der gav ham manuskriptet, og der var helt klart en slags gnist, fordi Coppola accepterede at vove sig, hvor mange havde trædt før. Men Coppola lovede at gøre en trofast tilpasning ud af Bram Stoker’; s historie, og resultatet er en meget underholdende, men unægtelig ujævn, mareridt sammenlægning af sex, frygt, kærlighed og kontrol og en visuelt hypnotisk oplevelse. Notorisk vælger at have alle de specielle effekter i filmen være en kombination af tvungne perspektiver, matmalerier og rekvisitter, der er bygget specielt til bestemte scener, sikrede Coppola, at det visuelle element ville være en prioritet fra get-go. Med sine bombastiske, Oscar-prisvindende kostumer og en gammeldags tilgang til filmoptagelse, ‘ Dracula ’; uanset dens fortællingsfejl, forbliver et tidløst visuelt eksemplar. Det anbefales også at fremstille dokumentarfilm, hvor du kan se, hvor meget vægt Coppola lægger på kostumerne. Men nedsiden til at udmærke sig i de tekniske afdelinger er, at den viser filmens mindre overbevisende elementer, især dårlige Keanu Reeves og et script, der vender meget tæt på fjollet. Oldman og en lysende Ryder understøttes dog mere dygtigt Anthony Hopkins og Tom Waits (som Renfield i et strejf af genialt casting) og i sidste ende leverer Coppola en film langt under sine virkelige højdepunkter, men alligevel en større underholdning end mange af hans film fra denne periode muligvis kunne hævde at være. [B]

“;donkraft”; (1996)

Coppola er den type ærbødige filmskaber, der vil inspirere nogen et sted til at starte en energisk kampagne for at rehabilitere selv hans værste fejlagtige forsøg, men alligevel prøve, som vi måske kan vi ikke finde noget forsvar for “;donkraft, ”; uden tvivl, fordi det kan medføre at se den forbandede ting igen, og livet (som ironisk nok er moralen i denne meget fabel) er kort. Den øredøvende tavshed, hvor vi måske forventer et kor på “; fortjener et nyt blik ”; eller “; mere til det, end dets omdømme antyder ”; er uden tvivl resultatet af flere faktorer, men det kan for det meste være, at selv blandt direktørens roguesgalleri er mindre blanke øjeblikke, “; Jack ”; tager træskeden - det er ikke engang en interessant fiasko, som andre forkerte Coppola næsten altid er. Det uudholdelige mawkiske ‘Benjamin Button’; -lit historie om en dreng født med en sjælden forstyrrelse, der får ham til at ældes fysisk med fire gange så meget som et normalt barn, dette er en film, der optager et eneste register over ville være plangent schmaltz, og en rolle, der spiller for de sene aller værste impulser fra det sene, store Robin Williams’; mandebarn persona. Faktisk var letterisering af manchild-konceptet antagelig det, der tiltrækkede Coppola, hvilket gav ham muligheden (sammen med forfattere James DeMonaco og Gary Nadeau) at undersøge spørgsmål om aldring og dødelighed, som åbenbart er tilbagevendende bekymringer for filmskaberen, især fra denne periode af hans karriere og fremefter. Men det er deprimerende, hvor lidt han gør med dem, og foretrækker at falde tilbage i en forbløffende anonym, piskende usund familievenlig tilstand, der sidder i ubehagelige odds med historiens mørkere implikationer. Uklarheden i seksualitetsspørgsmålet er skøjtet over ubehageligt, ikke mindst ved, at filmen springer frem i tid med syv år i blot et af sine eksempler på fortællende ærlighed, og Coppola ser ud til at aktivt vige sig væk fra noget provokerende eller indsigtsfuldt (selvom man ser det rigtigt giver nu en ekstra frisson af ubehag med Bill Cosby ’;s tilstedeværelse som Jacks kloge, avunkulære, på samme måde barn-til-hjertet tutor). Hvis denne dampende bunke med ersatz-følelse har nogen forløsende funktion for instruktøren, er det “; Jack ”; er udformet som om han var i vidnebeskyttelsesprogrammet under usædvanligt troværdigt dækning som en rejsemanager - det er så anonymt, at det er svært at huske, at Coppola nogensinde stod bag den, når du overhovedet husker filmen. [D]

“; Regnmakeren ”; (1997)

Genoptag ”Regnmakeren”I disse dage, især for dem af os, der måske ikke har set det i et årti eller mere, kan være en af ​​disse oplevelser, hvorved nuværende forstyrrelser kolliderer med oppustede minder for at skabe en skuffende, men stadig nostalgisk tur. Baseret på en roman af retssalen drama maestro John Grisham, der var på en absolut tåre i midten af ​​90'erne med syv tilpasninger af hans værker, der kommer ud mellem ’; 93 og ’; 98, er dette langt mere blød end hukommelsen tjener, til det triste punkt. Kunstnerisk set var Coppola tilsyneladende allerede alt andet end tilbragt på dette tidspunkt i spillet, og bevisene er lige her; alt ved dette billede ser bare almindeligt, almindeligt ud og igen anonymt. Uden et spor af den dristige karakter, som vi ’; sidst har set vejrtrækning i det mindste noget fantastisk visuelt liv i 'Bram Stoker's Dracula ”; (medmindre du tæller filmens titler), føles dette mere som en opgave end et inspireret projekt. Følelsen af ​​at Coppola trækker vand ved at forsøge at opretholde sin egen interesse, og ikke mindst vores, er uundgåelig. Matt Damon spiller en ung nidkjær advokat, der er fast besluttet på at nedbringe et korrupt forsikringsselskab, mens han jonglerer med en million andre ting som at studere til bareksamen for halve filmen, der beskæftiger sig med Danny Devito’; s modbydelig partner, der jagter efter ambulance, eller falder for Claire Danes’; mishandlet kone. Der foregår lidt for meget melodrama, og ikke nok intense retssalen øjeblikke, der kan sammenlignes med andre Grisham-tilpasninger som “;En tid til at dræbe. ”; Men så synes Grisham selv, at det er den bedste filmtilpasning blandt alle de andre, så måske er problemet, at Coppola sidder fast også tæt på kildematerialet her, som mangler den slags kød og potentiale for biografefyrværkeri, der er værdige til Coppolas talenter. Men hey, det er aldrig et kedeligt syn at se Jon Voight spiller en baddie og Mickey Rourke spiller en chef, og det er intet i nærheden så dårligt som det, der straks gik forud for det, skønt du kunne køre dig selv sindssyg bare ved at prøve at finde enhver vestige af gylden-æra Coppola på tværs af dens resolut uinspirerede 135 minutter. [C +]

'Ungdom uden ungdom'(2007)

Der er på ingen måde en begivenhed som Francis Ford Coppola 's første film på 10 år muligvis kunne komme og gå med et skuldertræk af ligegyldighed, uden at skabe nogen bølger overhovedet, men er det bare os, eller syntes de fleste kritikere en smule hyperbolisk i deres helt hat til denne mærkelige, men til tider fascinerende sci-fi-historie? Garnering af nogle af de snarkeste anmeldelser af sin karriere, måske på grund af trangen til at rive ind i et faldet idol, der turde vende sig ind i dette ufortrødent selvindgivende og uigennemsigtige, “;Ungdom uden ungdom”; var Coppolas forsøg på at komme tilbage til et tidligere ideal om at lave mindre, mere personlige film, og alligevel vægtes det på ethvert tidspunkt med de tunge, portente og lejlighedsvis ligefrem forvirrende impulser fra en gammel mand, frygter død og efterlader et ufuldstændigt eftermæle. Det fungerer bestemt ikke helt, og det er uden tvivl næsten skammeligt selvoptaget, alligevel er det også lejlighedsvis fascinerende, og i sine sorgfulde, længselrige øjeblikke har en mere reel følelse, end Coppola havde formået i årtier. Og der er ofte en begejstring for filmskabelsen og en dristig vilje til at være så esoterisk og underlig, som historien kræver, hvilket i forbindelse med hans filmografi bestemt er et forfriskende, hvis splittende skridt videre fra det bløde look og fornemmelse af hans to sidste funktioner. I hjertet handler filmen om Coppola-hæfteklammerne med tid, arv og dødelighed (som du kan se i alt fra 'Peggy Sue' til 'The Godfather Part III' til 'Dracula', 'Jack' og videre, endda op til “Twixt”), men der kastes så meget mod væggen i ‘ Ungdom ’; —En nazi-spion-subdiagram, romantik, der beskæftiger sig med nyopdagede supermagter, 2. verdenskrig med mere - at ikke alt sammen muligvis kan holde sig sammen eller endda passe sammen. Til tider uhåndterlige, selvom det måske, er den centrale ‘ Benjamin Button ’; -sque historie om en gammel mand (Tim Roth) ramt af lyn, som på mirakuløst vis regenererer sig ind i sit yngre selv, er en ambitiøs og altid interessant metafysisk hvad-hvis, og selvom Coppola kæmper med at sammenkæde forskellige gener, er det temmelig indlysende at se, hvorfor han ’; vil være interesseret i denne historie, og hvorfor han investerer måske det med så meget hjerte. Det er historien om en mand, der i det væsentlige indrømmer det umulige ønske om mere tid til at afslutte sit livs arbejde og adressere fejlene og beklagelserne i hans fortid. [B-]

'Tetro'(2009)

To år efter hans meget uærlige comeback med 'Ungdom uden ungdom' fortsatte Coppola sin nye æra med denne for det meste selvfinansierede (ah, vinpenge!) Og meget personlige historie om to fremmedgjorte brødre og de familiære rivaliteter, der er båret ud af forskellige generationer . “;Tetro”; er indtil videre den mest godt modtagne af filmskaberens sene periodeværker. Den høje kontrast, sort-hvid digital kinematografi af Mihai Mălaimare, Jr. (der fortsatte med at skyde “;Mesteren”; i 70 mm) er absolut smuk, og der er det en god grund til, at et af de første reklameklip, der blev frigivet til filmen, var af den fantastiske åbning i tre minutter, hvor vi introduceres til det herlige sprøde look af filmen og dens urbane argentinske omgivelser. Ikke nok kan dog siges for den strålende casting af Vincent Gallo i den titulære rolle, den ældre bror til Alden Ehrenreich’; s Bennie (også ganske god). Gallo er en erhvervet smag, men kan nogen hævde, at han har tilstedeværelse på kameraet at brænde? Hans glidende, motorisk mundede aggression, wiry ramme og atypisk godt udseende er perfekt synkroniseret med Coppola ’; s intentioner her og kombineret med den glatte og saftige visuelle behandling, der pludselig skifter til farve for nogle flashbacks og den underlige surrealistiske Powell og Pressburger-style ballet-sekvens, hjælper med at fremstille “; Tetro ”; Coppolas bedste, mest komplette værk i hans skumringsperiode. Og måske var vi også ved dette trin og lærte lidt, hvad vi kan forvente af den aldrende filmskaber, eller i det mindste hvad vi ikke skulle: med 'Tetro,' gør Coppola den overbevisende sag, at han ikke er kreativt udmattet, men hvis han har et andet mesterværk i ham, det vil ikke ligne 'Gudfaderen', og vi bør alle holde op med at holde ham til og med den umulige standard for hans yngre selv. Til tider er det også på næsen, og det er åbenlyst personligt, hvilket kan være forfriskende, men også fremmedgørende og selvudgivende. Uanset hvad er der ikke mange legendariske, 70-årige filmskabere med flere Oscars, der laver film som 'Tetro,' og det alene bør berømmes. [B]

'twixt'(2011)

Hvis det føltes som Coppola klatrede langsomt tilbage i vores gode nåder i slutningen af ​​00'erne, må han have gået glip af fodfæste, fordi han gled langt tilbage med denne turgide, fjollede, lejlighedsvis uoverkommelige rædselfilm, der blev positioneret som Coppolas sene -karriere comeback, men i stedet spiller mere som en for-diehards-eneste curio. Val Kilmer spiller Hall Baltimore, en ”købkælder Stephen King”Hvis fantasi antændes, når han stopper ved en uhyggelig lille by og får fortalt historier om en række ritualistiske mord på børn, der skete for længe siden (ligene er angiveligt begravet under hotellet, hvor Kilmer opholder sig). Det vigtigste mysterium, der vedrører en seriemorder, som den lokale lensmann (spillet af en kulinarisk tygge) Bruce Dern) duber 'The Vampire Executioner' er alvorligt forældet - der er bogstaveligt talt en scene, hvor Kilmer, Dern, Derns stedfortræder og et lille barn beder et Ouija-bestyrelse om hjælp. Og det hele er optaget så intetsigende, at du ikke kan se, om Coppola registrerer, hvor sjovt tablået er (filmens mangel på stil er underligt i betragtning af kinematograf Mihai Malaimare, Jr. skød også den overdådige “Tetro”). Tingene bliver lidt livligere, når Kilmer glider ind i en drømmeverden, hvor han samtaler med Edgar Allen Poe (Ben Chaplin) og en skinnende Elle fanning, der måske ikke er et af byens myrdede børn. Men selv disse sekvenser registrerer sig ikke som ”drømmende” så meget som de er ”tyndt møbleret” (på et tidspunkt skulle disse sekvenser udstilles i 3D, men det sammen med en ”live score” af co-komponist Og diakon, kom aldrig meget længere end en håndfuld visninger). Der er en række ting, der gør “Twixt” til et værdigt ur, i det mindste for fascinerede Coppola-kompletister - de ægte flagermus-optrædener fra Dern og Kilmer (på et tidspunkt gør han indtryk af Marlon Brando, Peter O'Toole, og 'en sort homoseksuel basketballspiller fra 60'erne'), blomstrer nogle smarte stilistiske, det faktum, at Kilmers harridanske kone på skærmen spilles af hans virkelige eks-kone Joanne Whalley og filmens lejlighedsvise eksplosion af uhyggighed, især når Coppola omvendt skaber sin søns tragiske død Gian-Carlo Coppola. Men ingen af ​​disse lånte renter, sindige eller på anden måde kan genoplive det, der for det meste er et kedeligt, mudret plottet uregelmæssigt, som selv for dem, der helt er ude af en Coppola i den sene periode, føles lige så langt under ham. [C-]

gå død ære

Shorts, tilbud og andre nysgerrigheder

“;Battle Beyond the Sun”; (1959)

Et strålende eksempel på Roger Corman’; s geni for at tage en so ’; s øre og omdanne det til en lidt mere omsættelig so ’; s øre, fik impresarioet en sci-fi-billet kaldet “;Eller Zovyot”; lavet af sovjetiske instruktører Mikhail Karzhukov og Aleksandr Kozyr og sætte Coppola til at arbejde på et dubbingskript, der ville beskære filmens anti-amerikanske propagandameddelelse. Coppola gik videre og skyder yderligere optagelser af to rummonstre, der kæmpede mod hinanden (samarbejdspartner Jack Hill hævdede senere, at den ene skulle se ud som en penis, og den anden en vagina) og tilføje andre bit fundne og skudte optagelser for at levere en film, der historiemæssigt næsten minder om originalen, hvilket var en ret ligetil fortælling om løbet om Mars. Denne hyldest til Cormans affald ikke, ønsker ikke filosofi ville have været Coppola & ss første direktørkredit - medmindre han brugte et pseudonym, Thomas Colchart til arbejdet.

“;Terroren”; (1963)

Bare et af fire velkendte navne, der efter sigende udførte ikke-godkendt instruktionsarbejde på Cormans 1963 brostensbelagte sammenspøgede garn (fremtidig direktør for blaxploitation) Jack Hill, Monte Hellman og filmens stjerne Jack Nicholson som de andre), blev Coppola sendt til Big Sur for at skyde nogle yderligere optagelser. Det Boris Karloff film var kun blevet skrevet oprindeligt for at drage fordel af forudgående eksisterende sæt, der var ved at blive revet ned, og resultatet er igen en af ​​disse Corman-film, som det er lettere at beundre i ånd end faktisk. Nu er det bedre kendt som kildemateriale, der sammen med Karloffs tjenester, en anden Corman-protégé, Peter Bogdanovich ville plyndre dybt for sin fantastiske film fra 1968 “;Mål. ”;

'Bellboy og Playgirls”(1962) - co-instrueret med Fritz Umgelter
Alle
vores bedste indsats blev intet, når vi forsøgte at spore op dette tidligt
indrejse i Coppola-kanonen, så vi hverken kan klassificere det eller fortælle dig meget
om det, bortset fra det faktum, at det er en komedie, der kaldes 'Det
Bellboy og Playgirls
”Og det blev oprindeligt skudt helt i sort
og hvid og på tysk. Coppola blev hyret til at skyde et par mere saftige
scener for at øge sin salgbarhed til det beskidte mac-marked i USA og tilføje nogle farveoptagelser af kvinder, som den titulære bellboy spionerer
bogstaveligt talt gennem nøglehullerne i deres hotelværelser. Vi kan kun forestille os
dette er alt sammen så morsomt som det lyder, selvom det er sikkert, at være
ansvarlig for de ekstra nøgen-scener for en tysk smutflick synes
slags som et drømmejob for enhver 23 år gammel fyr.

'Kaptajn EO'(1986)
Tidligt i efteråret 1986 George Lucas som en del af sit partnerskab med Walt Disney Company, debuterede en gennembrud 3D-tiltrækning, der medvirkede Michael Jackson, den største musikalske kunstner på planeten. Det var en 17 minutters lang musikalsk ekstravaganza kaldet 'Captain EO' … instrueret af Francis Ford Coppola. Filmen er ret ligetil, med Jackson, der spiller ”den berygtede” kaptajn EO, der fører et “ragtag-band” af rare udlændinge og robotter på en intergalaktisk rejse. Når de reagerer på et nødssignal på en dingly mekaniseret, Giger-isk planet, EO løber ud af edderkoppens øverste leder (Anjelica Huston), der, efter EO kommenterer sin indre skønhed, suser: ”Du finder det meeee smukt? ”EO fortsætter derefter med at befri den nedslidte planet gennem kraften i koreograferet dans og 3D-gnister; skygger bliver lette, og søjler af uklart skrot bliver neoklassiske romerske søjler (den bedste del, især i eftertid, er, når EO forvandler en af ​​de sortkledde robotvagter til en fop af firserne, komplet med springende blond mullet). Coppola vidste, hvordan man koreograferede dansnumre (“En fra hjertet”Være forbandet) og var i stand til at kanalisere Jacksons overvældende karisma på toppen af ​​sine kræfter til en vidunderlig lille forestilling. Men da filmen vendte tilbage til flere Disney-parker efter Jacksons tidlige død i 2009 (den var blevet erstattet af den dybt haltede 'Skat, jeg krympet publikum”I slutningen af ​​halvfemserne) viste sømmene virkelig - de ikke-menneskelige karakterer var klodsede, 3D-teknologien iffy selv efter en ny polering og historien næsten ikke-eksisterende (også: slags sexist). Men det er stadig Coppola som hans mest glædeligt, fantasifulde unhinged, en side af traditionelt seriøs, endda dystre filmskaber, som vi kun sjældent ser.

“;Faerie Tale Theatre”; Tv-afsnit “;Rip Van Winkle”; (1987)
Omkring den tid spredte han sig med tidsrejse-shenanigans med fjervægten “;Peggy Sue blev gift, ”; Coppola tog en meget sjælden tv-koncert og vendte ind dette Harry Dean Stanton-stjernet time-lang version af det klassiske eventyr. Det er under alle omstændigheder et temmelig anonymt arbejde, tilsyneladende skudt i 1984 og ikke sendt før 1987, og det var uforkastelig nok til at blive vist i skoleklasserummet sammen med resten af Shelley Duvall-fronted serie, derefter.

Så på den lidt nedslående note er det vores vurdering af karrieren til dato for en af ​​de store mestre i amerikansk film. Enig? Være uenig? Kan du forestille dig, at Coppola har en anden stor film i sig, eller er hans herlighed i fortiden nu? Fortæl os det nedenfor.

- Jessica Kiang, Oli Lyttelton, Erik McClanahan, Drew Taylor, Nikola Grozdanovic & Rodrigo Perez



Top Artikler

Kategori

Anmeldelse

Funktioner

Nyheder

Television

Værktøjskasse

Film

Festivaler

Anmeldelser

Priser

Box Office

Interviews

Clickables

Lister

Computerspil

Podcast

Brand-Indhold

Priser Sæson Spotlight

Filmbil

Med Indflydelse