Filmene fra Andrei Tarkovsky: Et retrospektivt

Den store svenske instruktør Ingmar Bergman berømt intoned i sin selvbiografi fra 1987, “;Den magiske lykt, ”; at opdage russisk filmskaber Andrei Tarkovsky’; s arbejde var, “; Et mirakel. Tarkovsky for mig er den største [instruktør], den der opfandt et nyt sprog, tro mod filmens natur, da det fanger livet som en reflektion, livet som en drøm. ”;



I 1987, et par måneder efter Tarkovsky ’; s bortgang Akira Kurosawa ville prise hans “; usædvanlige følsomhed [som] både overvældende og forbløffende. Det når næsten en patologisk intensitet. Der er sandsynligvis ingen lige blandt filmregissører, der er i live nu. ”; Og eksperimentel filmskaber Stan Brakhage blev praktisk talt slået og jagede ham ned ad Telluride Film Festival i 1983 for at vise sit arbejde og kalde ham, “; den største levende narrative filmskaber. ”;

Anerkendelser for Tarkovsky, en af ​​Ruslands mest indflydelsesrige filmskabere, er generelt glødende plauditter, hvilket inspirerer til en ildsted, der ville finde kultdirektørens arbejde undersøgt og studeret i årevis. Men næsten lige så ivrige er hans krænkere; publikum og kritikere, der synes, at hans langsomt, langsomt, uforskudelig værk kedeligt og uigennemtrængeligt. Sådanne vildt divergerende forkynder-ham-eller-afsky-meninger kan kun betyde en ting: at Tarkovsky ’; s-film repræsenterer apotheosen i en bestemt form for filmskabelse og i sidste ende din disposition til at lide den slags film betingelser for din reaktion på Tarkovsky. Selv dem, der hader langsomt, meditativt, drømmeagtigt film kan ikke benægte Tarkovsky ’; s mestring af formen. Og med filmhistorien konstant i en revisionstilstand, finder Tarkovsky ’; s arbejde, ligesom det vandrende vand på udkig efter en udgang, altid veje til genvurdering. Denne uge, Kino International frigiver sit sidste billede, “; Offeret ”; på Blu-Ray og tidligere i år i maj frigav Criterion Collection - som har tre af hans film i deres katalog - sin sci-fi-klassiker, “Solaris” på Blu-formatet.



tommy rick og morty

Uendeløst fascineret af det åndelige, det metafysiske, drømmenes og hukommelsens struktur, undgik Tarkovsky konventionel fortælling og plot, og forsøgte i stedet at belyse essensen af ​​det ubevidste gennem en tålmodig, gåtefuld og reflekterende biograf, der for mange grænser til poetisk guddommelighed.



Mens deres metoder og æstetik er tydeligt forskellige, undrer man sig over, hvorfor Terrence Malick-film og lignende medier i stort billede sjældent dukker op i samtaler om Tarkovsky. Der ser ud til at være et vist slægtskab mellem deres arbejde, skønt det er usandsynligt, at den russiske filmskaber nogensinde ville have draget til at inkludere en voiceover, der bogstaveligt talt stiller hvert metafysisk spørgsmål højt; det var mere hans stil at stille disse ofte eksistentielle gåder implicit og lade billedet udføre arbejdet stille og drømmende.

Tarkovsky skabte kun syv funktioner på fireogtyve år og lod sine film trække vejret, og derefter nogle - de er ofte kendetegnet ved deres ublu længde (“; Andrei Rublev er 3 timer og 25 minutter), deres ubehagelige tempo og brugen af udvidede sporingsskud, der kunne vare fra 7-10 minutter, som alle sædvanligvis lånte hans billeder en søvnløs, hallucinerende, hypnotisk atmosfære. Tarkovsky mente, at biograf var den eneste kunstform, der virkelig kunne bevare strømmen af ​​tid - hvilket måske forklarer længden af ​​hans film noget - og selvom hans mesmeriske drømmetor og beroligende stimulering kan sende den gennemsnitlige filmgager i søvn, skulpturerer han “; tid ”; ethos (navnet på hans postume 1989-bog) inspirerer generelt ærefrygt, forundring og en følelse af smuk tvetydighed hos dem med tålmodighed og nysgerrighed, der er nok til at overgive sig til oplevelsen. Som John Gianvito udtrykte det i sin bog fra Tarkovsky Interviews fra 2006, korpus for hans arbejde er den 'næsten messianske forfølgelse af intet mindre end forløsning af menneskets sjæl.'

“;Ivan's Childhood”; (1962)
Ikke mange filmskabere er blevet så afskrækkende intellektualiseret som Tarkovsky, men skeptiske nybegynder noterer sig: hans udtryksfulde første funktion, “;Ivan ’; s barndom”; viser glimt af hans varemærke blomstrer og temaer, men finder instruktøren på sin mest tilgængelige, dets næsten lineære fortælling kommer ind på effektive 95 minutter. Ivan, spillede strålende af Nikolay Burlyaev, er en ung russisk dreng med et engels ansigt og et løvehjerte, der, forældreløst af krig, bliver spejder for den sovjetiske hær. Han drømmer, han tror - han oprør mod den velmenende beskyttelse af sine ældste - kort sagt, han er et barn, i en tid og et sted, der har ringe respekt for barndommen. Historien er enkel og ødelæggende, men hvad myten om Tarkovsky (hans film er “; vanskelig ”; og “; værdig ”;) muligvis ikke forbereder dig på, er den rene kinetiske glæde, der skal hentes fra billeder, der via kameraplacering koreografi eller den lysende belysning af et ansigt er i modsætning til noget andet, du ‘ ll har set. For at påberåbe sig Malick-sammenligningen er dette, ligesom “; Den tynde røde linje, ”; en krigsfilm fra hinanden, men ironisk nok, i betragtning af at han arbejdede under et kommunistisk regime, er det Tarkovsky ’; s film, der er den mere individualistiske og personlige. Hvor Malick skabte et kor, et kollektivt ubevidst krigstid, gengiver Tarkovsky “; Ivan ’; s Barndom ”; som et skarpt, bitter søde portræt af en dreng: hans krop, hans ansigt, hans drømme, hans minder og alle de andre ting, vi mister, hvis vi mister netop denne uskyldige. Fordi det i sidste ende er en film ikke om barndom, men om barndomens slutning; i form af Kholin, den strålende officer, der bliver ven med Ivan men aldrig selv er vokset op; eller lt. Galtsev, hvis eget drengede, smukke ansigt bliver arret og hjemsøgt; eller lille Ivan, hvis barndom slutter, ser det ud til flere gange og muligvis hver gang han vågner op. Smukt og trist og præget med billeder, der dræber sig i sindet, “; Ivan ’; s Barndom ”; er måske mest bemærkelsesværdig for at være en debut, som dens unge instruktør gentagne gange skulle gå på toppen, men alligevel være i sig selv en vidunderlig film. [EN-]

“;Andrei Rublev”; (1966)
I betragtning af, at biograf nu er fast etableret som en kunstform, er det nysgerrig, at det ikke retter sig godt med kunsten som emne: film om forfattere, musikere, malere og endda andre filmskabere har en tendens til at være forenklede og reduktive. Den store (i enhver forstand) undtagelse er “Andrei Rublev, ”Som på tværs af en tre timers plus løbetid dramatiserer episodisk livet for den store middelalderlige russiske maler af religiøse ikoner. Men tag ikke fejlen ved at tænke, at det vil betyde, at selve filmen er malerisk: den verden, som Tarkovsky skildrer, er brutal, meningsløs og kaotisk (den berømte død af en hestescene sikrer, at den ikke er en film for dyreelskere). Men ligesom hans hovedperson, finder instruktøren skønhed i mørket, fra flyvningen i en varmluftsballon i filmens prolog til det forbløffende, ubrudte skud fra klokken, der rejses ved højdepunktet, den hændelse, der overbeviser Rublev om at vende tilbage at male. Vigtigst er det, at det er en film, der handler om en kunstners rolle i verden omkring ham: det er tydeligt fra arrestationen af ​​en jester i en tidlig scene, at dette ikke er noget lykkeligt klima for den kreative type, og Rublev ser uden klage, men efter når han vender sig væk fra kunsten store dele af sit liv, overbeviser han til sidst, at det, han gør, har reel værdi, at det er en nødvendighed. Og når slutningen af ​​filmen viser Rublev arbejde (den eneste del af filmen i farve), kunne ingen være uenig. Ikke overraskende var myndighederne ikke tilfredse med Tarkovskys færdige film: Den blev ikke frigivet i Sovjetunionen før i 1971, i en nedskåret redigering, og kom først til USA to år senere i en endnu mere brutaliseret version. Men Kriterieindsamling udgav det originale klip i 1999, hvor man styrkede filmens omdømme - The Guardian sidste år kåret den til den næststørste gennem tidene. Sjov, lidt forvirrende kendsgerning: medforfatter Andrei Konchalovsky fortsatte med at dirigere “Tango & kontanter. ”[A +]

jeff nichols komiker

“;Solaris”; (1972)
Tarkovskys opfølgning til 'Andrei Rublev”Nævnes sjældent i en sætning, uden at ordet“ 2001 ”dukker op på samme tid. Men bortset fra at være en tankevækkende, åndelig, meditativt tempo science fiction-film, der er baseret på en roman af en af ​​genrens storheder (polsk forfatter Stanislaw Lem), de har lidt til fælles: som J. Hoberman engang påpegede i The Village Voice, ligner filmen faktisk mere lighed med en anden kritisk elskede, Alfred Hitchcock‘S“svimmelhed. ”Der findes ingen gadgets eller CGI, bare mennesker, i historien om Kelvin, en psykolog sendt til at undersøge bizarre begivenheder på en rumstation, der kredser om havplaneten Solaris, kun for at blive mødt der ved en manifestation af hans sene kone, der dræbte sig selv år tidligere. På grund af alt dets skræmmende omdømme og løbetid er det en enkel fortælling om sorg og mistet kærlighed, omend en krydret med sci-fi spørgsmål om identitet og menneskehedens natur. Hari, Kelvins kone, er konstrueret af neutroner, men har alle minderne, tankerne og følelserne fra hendes afdøde modstykke - gør det ikke hende lige så menneskelig? Det er en ødelæggende fortælling (Harrys andet selvmordsforsøg er virkelig skruenøgle), og Tarkovskys mest følte dybt historie. Der skal argumenteres for det Steven SoderberghRemake fra 2002 er den overlegne film - på næsten halvdelen af ​​længden, det er et strammere, mere fokuseret billede, der ikke mister noget, der virkelig er essentielt - men at skære ned originalen ville være vanvid: som i alt hans arbejde de bedste øjeblikke, som den lange, jordbundne åbning eller den fantastiske nulgravitationssekvens, er næsten transcendente. Soderbergh vil senere oplyse, at han var ved at tilpasse romanen og ikke genindgik filmen “; Solaris, ”; og sammenlignede Tarkovsky ’; s billede med en “; sequoia, ”; mens hans var “; en lille bonsai. ”; [EN]

star trek knock off

“;Spejl”; (1975)
Arbejder dybt personlig, bevidsthedsstrøm (en fjern forfader til Terrence Malick‘S“Livets træ”Med sikkerhed undtagen uden ondsindede dinosaurer), undgår Tarkovskys næstsidste sovjetiske film traditionelle plot og arbejder i stedet med sin egen rytme og logik, der direkte korrelerer med filmskabernes sentimentale bankende hjerte. Skift mellem tre forskellige perioder (førkrig, krig og efterkrig) filmens fortæller ser tilbage på hans liv, mens han er på sin dødsleje, drømmer om alt inklusive argumenter med sin ekskone og et ret stressende øjeblik, hvor hans mor var involveret i hende korrekturlæsning dagjob. Anset for at være uforståeligt og utrætteligt af Gosinko, Ruslands statsudvalg for kinematografi, 'Spejl”Er en forbløffende påvirkende filmkomposition, en tæt film overraskende blottet for de vanskeligheder, som langsomt bevægende minimalistiske fortællinger har en tendens til at kræve. Dette kan være på grund af Tarkovskys talent for at slå sig fast på essensen af ​​et bestemt øjeblik, hvad enten det er en mærkelig fjernsyns-seance, der involverer en stammende dreng, der bliver helbredt for hans handicap (som også skal være en af ​​de bedste åbninger på celluloid) eller den enkle handling af en moderfigur, der vasker sit hår i et bassin. Eller det kunne simpelthen være det rene mesterskab for mediet, der vises, da hans 'skulptur i tid' -film og aural lyddesign (både udvælgelsen af ​​klassisk musik og opmærksomhed på naturens melodier) aldrig har været bedre. Dette er ikke kun nogens sjæl fanget på filmbestanden, det er det liv, der er renest; et certificeret mesterværk gennem og igennem. [A +]

“;Forfølger”; (1979)
Mens “;Solaris”; er sandsynligvis Tarkovsky ’; s mest kendte film på grund af dens genreassociationer og dens genindspilning fra 2002, den post-apokalyptiske ramme om “;Forfølger”; har lige så mange genrer, men er uden tvivl mere vellykket (filmproducenten hævder selv så meget). Set i en verden, der ser ud til at være et postkernefysisk Rusland (men dette er kun løst underforstået), kronikerer filmen to mænds rejse ind i zonen - et underligt, mystisk, forladt sted bevogtet med pigtråd og soldater, som huser et rum, der angiveligt indeholder den uigennemsigtige utopi af deres inderste håb og drømme. Zonen er ikke afgrænset af fysikkens love og uforklarligt og usynligt farlig og kan kun navigeres ved hjælp af en Stalker - et individ med særlige mentale gaver, der risikerer regeringsfængsling for at tage den desperate eller de nysgerrige ind i dette forbudte område. Mod sin kones ønsker ledsages en bestemt Stalker en forfatter i en eksistentiel krise og en stille videnskabsmand ind i zonen, hvor de tre mænd spiral ned i bygningens dybder overfor moralsk, psykologisk, eksistentiel, filosofisk og endda fysiske spørgsmål og konflikter. Så gådefuld og mystisk som nogen af ​​Tarkovsky ’; s-billeder, som i “; Solaris, ”; de vage sci-fi-ish-elementer giver det nok fortælling til at gøre det til et af hans mest engagerende billeder, men det går aldrig på kompromis med at kæmpe med de metafysiske og åndelige temaer, der hjemsøger alt hans arbejde. Markeret af taktil lyddesign, smukke brune monokrome sepia-toner og en falden atmosfære, både forfaldne og vandede, er det næsten et mirakel, at “; Stalker ”; kom til at overveje, i betragtning af at Tarkovsky arbejdede i et helt år med at skyde udesekvenser med en anden kinematograf og optog optagelser, som han til sidst brændte. Man kunne hævde, at billedet er et hjerte af mørke-lignende rejse ind i det ukendte, omend et meget mere surrealistisk og metafysisk billede end Joseph Conrad’; s historie, der nogensinde var beregnet til. [EN]

“;Rejse i tid”; (1982)
Efter årevis med uforholdsmæssig censur i sit russiske hjemland, ville Tarkovsky afvige til Italien i 1982, hvilket gjorde 1979-skuddet “;Rejse i tid”; dokumentar et formativt snapshot af filmskaberens personlige historie. Besøg sin ven, den italienske manusforfatter Tonino Guerra - den mand, der er ansvarlig for Michaelangelo Antonioni'S klassiske tetralogi fra 1960-1964 - dokumentaren er en del af lokaliseringsspejder for “;Nostahlgia”; (han til sidst bosætter sig på det øde landskab i Bagno Vignoi), en del af den italienske rejsearrangement og en del af en fri form for samtalestykke mellem to venner, der diskuterer kunsten om film og liv. Parret diskuterer Tarkovskys yndlingsfilmskabere - Alexander Dovzhenko, Robert Bresson, Antonioni, Fellini, Jean Vigo, Sergei Paradzhanov - give råd til yngre filmskabere og broach emner såsom italiensk arkitektur, poesi og “; fiktion ”; af fortælling og handling. Mens samtalen er interessant, er det ikke særlig oplysende for dem, der ikke er from Tarkovsky-ites, skønt der er et par mindre afsløringer. Tarkovsky hævder, at han ikke nyder genren eller kommercielle film, og i den forstand siger “;Solaris”; - betragtet som hans bedste film af mange - er hans mindst succesrige, fordi han “; ikke kunne undslippe fra [fange] i genren, fra de fiktive detaljer. ”; I tilfælde af “;Forfølger, ”; han tror, ​​det fungerer, fordi han “; slet alle science-fiction-tegn helt af. Det giver mig stor glæde. ”; Som alle Tarkovskys film er rytmen langsom og meditativ, som på en eller anden måde egner sig mindre til det dokumentariske format end til hans fiktion. Som sådan er det virkelig kun for hardcore Tarkovsky komplette-ists. [C +]

“;Nostalghia”; (1983)
Et hjerteinfarkt, et aborteret træk og uredelig censur forhindrede Tarkovsky i at være i stand til at arbejde rent i sit hjemland, men det var dette, hans første produktion uden for landet, der bekræftede hans hårde afvisning af at vende tilbage, en beslutning blev først styrket, når billedmekanismerne fra den sovjetiske delegation kampagne med succes mod hans chancer på en Palme ’; Eller sejr ved Cannes Film Festival det år. Samskrevet med Tonino Guerra ( 'Evigheden og en dag, ''Sprænge i luften, ”Osv.) Følger filmens forbløffende øje med en russisk digter i Italien (de placeringer, der er fanget i film, der ikke bare elsker, men elsker dets emne). Digteren undersøges angiveligt der og undersøger den afdøde komponist Pavel Sosnovsky, men i stedet bliver han fortryllet af en forvirret vagabond, han møder (Domiziana Giordano), og fyldt med en længsel efter hjem og plaget af drømme, hvor han er den urolige nomad, forpligter han sig til sidst at udføre et spirituelt ritual, der ifølge den fremmede vil redde verden fra fordømmelse. Abstrakt og uigennemsigtig er der stadig ingen, der benægter, hvor fuldstændigt det afspejler filmskaberens indre konflikt om at opgive land og familie til at arbejde sikkert i udlandet. Mere end bare en kommentar til noget sentimental lyst, ordet “; Nostalghia ”; betyder det samme på både russisk og italiensk, og så fremkalder filmens observation af, hvordan to separate elementer kan sammensættes, for at gøre en større / mere ekstrem 'én.' Dette enhed-fra-dualitetstema er også beviset af 'Nostalghia”Med ikke et surrogat til instruktøren, men to - den hjemvendte, men alligevel rationelle, kunstner og galning; begge umuligt dedikeret til en enkelt filosofi. Det er kontrasten mellem disse to, der direkte spejler Tarkovsky, familiemanden mod Tarkovsky auteur, men i en dualitet er den ene side normalt sejr, og her mister rationaliteten: digteren dør, og filmmanden i det virkelige liv forlader sin familie for hans kunst. 'Nostalghia' kan bestemt ses som en melankolsk længsel efter hjemmet, men det kan også læses som et yderst selvkritisk værk, fuld af anger og skænderi for at vælge kunstnerisk frihed overfor slægtninge. Uanset hvad er det en mageforvrængende tour de force. [EN]

“;Ofringen”; (1986)
Færdiggjort kort før hans død af terminal lungekræft i 1986, kan Tarkovskys sidste film muligvis være apogien til alt, hvad han nogensinde prøvede at opnå i biografen. Bergmans kærlighed til Tarkovsky er blevet veldokumenteret, og følelsen var gensidig; det svenske billede medvirkede Erland Josephson - en nøgle Bergman-skuespiller, der førte flere af svenske billeder inklusive 'Scener fra et ægteskab, ''Efterårssonate”Og“Fanny & Alexander”; - og indeholdt den maleriske kinematografi af Sven Nykvist. Tro og fravær af spiritualitet var altid centrale Tarkovskiske temaer, og begge undersøges og testes i dette hypnotiske moraldrama. Josephson spiller en journalist og tidligere filosof, hvis fødselsdag afbrydes af nyheden om, at WWIII er udbrudt og menneskeheden kun er et par korte timer væk fra udslettelse. En hengiven ateist, i sin fortvivlelse, beder Josephson til Gud, og tilmed opfordrer sin søns liv, hvis krig kan undgås. Han sover med en heks for at vise sin fealitet for Gud, men den næste dag er alt godt, og det er uklart, om de foregående begivenheder bare var en drøm. Optaget i Tarkovsky s normalt tager lang tid (nogle når op til næsten 10 minutter) filmen åbner på knap tre timer og er måske filmskaber ’; s mest drømmeagtig, i en karriere præget af hypnagogiske film. Et gigantisk hus blev bygget specielt til produktionen, og da kameraer ikke kunne fange dens forbrænding i et langt sporskud, blev huset derefter trofast rekonstrueret og igen brændt ned til jorden - Terrence Malick og Jack Fish ville være stolt. Ved Cannes Film Festival det år modtog filmen Grand Jury-prisen og FIPRESCI og Ecumenical Jury-priserne. [EN]

- Rodrigo Perez, Jessica Kiang, Christopher Bell, Oliver Lyttelton



Top Artikler

Kategori

Anmeldelse

Funktioner

Nyheder

Television

Værktøjskasse

Film

Festivaler

Anmeldelser

Priser

Box Office

Interviews

Clickables

Lister

Computerspil

Podcast

Brand-Indhold

Priser Sæson Spotlight

Filmbil

Med Indflydelse