Det væsentlige: De 10 bedste Wim Wenders-film

Wim Wenders begyndte som en maler, og man kunne hævde, at det hjælper med at forklare en langvarig fascination af landskaber, som ’; løber gennem sin karriere (og måske bedst eksemplificeres i den nylige “;Jordens Salt”;). Men instruktøren, født i 1945, en nøglefigur i New German Cinema og indehaveren af ​​tre Oscar-nomineringer (plus en gylden løve, en Palme ’; eller en æresgylden bjørn fra henholdsvis Venedig, Cannes og Berlin), har fra dag én var lige så interesseret i de mennesker, der fylder disse landskaber, og på de måder, de bevæger sig på.



Wenders kom først til USA i 1972 med sin anden funktion, den nye instruktører / nye filmpremiere på “;Målmandens frygt for straffen”; og han kiggede aldrig helt tilbage. Rejsen så ud til at udløse den rastløse vandrer i ham, og den maler-vendte-filmskaber begyndte snart en sjælsom og nysgerrig undersøgelse af landskaber fra Amerika og videre. Denne nysgerrighed og peripatetiske søgen efter svar om, hvordan mennesker lever, eksisterer, lider og i sidste ende prøver at opdage, at de har taget ham over hele kloden til at tackle utallige emner.

Selvom han måske bedst er kendt for arthuseklassikere “;Paris, Texas”; og “;Wings Of Desire, ”; Wenders har haft en mangfoldig karriere og har formået at bevare et ry som en elsket outsider og samtidig blande sig med det store og det ikke-så-store ( binding-written, Mel Gibson-featuring “;Million Dollar Hotel”; at være et uheldigt eksempel på sidstnævnte). Musik har altid været nøglen, især i hans dokumentararbejde, der ofte indeholder kunstnere, som Wenders beundrer og ønsker at dele med verden -Pina Bausch, Sebastian Salgado, Buena Vista Social Club.



Alt i alt er det en af ​​de mest eklektiske karrierer for enhver instruktør, både inden for ikke-fiktion og fiktion, som har set Wenders tackle dramaer, dokumenter, mysterier, forbrydelsesfilm, mordere, kærlighed, død og selvfølgelig livet på vejen i søgning efter noget. Wenders er emnet for “;Portrætter langs vejen, ”; et turné retrospektiv fra Janus Films af tolv af hans film på nuværende tidspunkt, hvoraf nogle næppe nogensinde har set i dette land, og nu er nænsomt restaureret, og for at markere lejligheden, har vi valgt de ti mest væsentlige af hans film på tværs af en karriere, som ’; er nu ved at lukke på fem-årti-mærket. Se nedenfor, og lad os vide dine favoritter i kommentarerne.



“Målmandens frygt for straffen” (1972)

På et tidspunkt var en kvindelig ven af ​​Joseph Bloch (Arthur Brauss) spørger ham, hvorfor han rykker rundt og gør andre tilfældige små forretninger; Bloch afleder straks spørgsmålet og skifter emne til sin datter i stedet. En sådan unddragelsesevne er en del af Wim Wenders 'resolut anti-psykologiske tilgang i dette, hans andet træk. På trods af, hvad titlen antyder, ”Målmandens frygt for straffen” (også undertiden kendt som ”Målmandens angst ved straffesparket“) Har lidt at gøre med fodbold og alt at gøre med nøje karakterobservation. Selv når Bloch pludselig kvæler en tilfældig kvinde til døden, forbliver han og i forlængelse af filmen uforklarligt uklar - i skarp kontrast til det fede, han mister, når han bestrider et ubesvaret offsidebudkald i filmens åbningsscene. Resultatet spiller næsten som en mand-på-den-løb thriller uden spændingen, i stedet erstattet af en næsten antropologisk løsrivning, en tilsyneladende mere interesseret i lokal farve - især biter af amerikansk kultur, der trænger ind i det tyske landskab - end at blæse i dybderne af den titulære atlet / morder. I modsætning til Rainer Werner FassbinderStilistisk lignende “Hvorfor kører Herr R. Amok?, ”Er der ingen opbygning til nogen voldelig katarsis eller blændende åbenbaringer. En sidste dialogudveksling mellem Bloch og en tilfældig observatør ved en fodboldkamp forklarer muligvis alt eller intet - eller begge dele.

tre tusind års længsel

“;Alice i byerne”; (1974)

Et bittersøgt, malerisk øjebliksbillede af verden i bevægelse samt et rørende portræt af to meget forskellige mennesker, der søger efter deres rødder, “; Alice i byerne ”; er en af ​​de mest stille, beskedne kraftfulde film i sin tid. Den første i instruktøren ’; s elskede “;Vej”; trilogi, “; Alice ”; er håbløst forelsket i det spændte stof i det amerikanske liv, selvom instruktørens verdenssyn forbliver ubundet til et bestemt tidspunkt eller sted. På denne måde “; Alice ”; kan ses på som en slags åndelig ledsager til de tidlige film af Jim Jarmusch, der også lavede lange, minimalistiske billeder, der undersøgte den sublime poesi, der var indlejret i hverdagen, samt de skarpe kontraster i de forskellige kulturer, der udgør smeltedigelen i vores land. Hvilken historie der er følger en skiftløs fotograf spillet af Rüdiger følger, hvis opgave er at finde en slags betydning i blindgyderne i Mellemamerika. Undervejs finder han at han bliver “; værge ” ;, hvis det ’; er det rigtige ord for det, for en frygtløs uafhængig lille pige ved navn Alice, der har vandret ud i verden på jagt efter hendes længe fremmede bedstemor. Det, der udspiller sig, er vekselvis forvirrende, smukt, intimt og ødelæggende - spillet som altid i Wenders & ss sarte mindre nøgle. Der er en overfladisk lighed med Peter Bogdanovich’; s “;Papirmåne”; (en sammenligning Wenders selv ikke var helt glad for) i filmens skildring af et anstrengt far-datter-forhold, men ellers er filmene lige så forskellige som nat og dag. Som en øm, tekstureret historie om ødelagte forhold og den igangværende søgning efter hjem, “; Alice ”; er intet mindre end en knockout.

“; Den forkerte bevægelse ”; (1975)

Den anden del af Wenders ’; s vejtrilogi stjerner igen Rüdiger Vogler, føringen af ​​“;Alice I Byerne”; plus Fassbinder regelmæssig Hanna Schygulla, og det inkluderer også det første udseende nogensinde Nastassja Kinski, der var alle tretten på det tidspunkt. Meget mere målløs end hans andre film (læs: plotløs), “; The Wrong Move ”; er i det mindste en slags manifest i filmform, der viser alt, hvad Wenders nogensinde har forsøgt at opnå i biografen. Det centrerer om en mand i en type eksistentiel krise, der rejser til Bonn for forhåbentlig at opdage sin stemme som forfatter, mens han undervejs samler en ulige gruppe venner at rejse med (som Kinski som den stumme akrobat ). Fraværende fædre har tendens til at være et tema i Wenders ’; s værker, og ja, der er ingen patriarkalske tilstedeværelse i filmen, men den dominerende mor, der endelig lader hendes søn gå og køber ham togbilletten til Bonn er temmelig unik. Når hans fiktionsfilm ikke fungerede, er hans sjælsøgende egenskaber blevet beskyldt for at være utroligt prætentiøs og betænksom og “; The Wrong Move ”; passer tilsyneladende den regning med dens kontemplative voice-over og lange, stirrede skud, der er beregnet til at finde mening i landskabet. Men målløsheden for både karakter og fortælling er så ægte, den længselige stemning så reel og Robby Müller film så stemningsfuld, at filmens tabte og retningsløse dimensioner indtager roligt gripende kvaliteter. Det er ganske vist, at dens status som en “; væsentlig ”; Wenders-film er måske relativ; dens langsomme, vandrende egenskaber forsøger sandsynligvis for alle undtagen Wenders-acolytter, men det er også en nøgle, tidlig udviklingsfilm om afstanden mellem mennesker og færre veje.

“Kings of the Road” (1976)

En følelse af tab tilfører Wim Wenders’; s mesterværk fra 1976 - men som det passer til dens luksuriøse tre timers længde handler 'Kings of the Road' om mange forskellige slags tab. Sikker på, der er alle de små bybyer i østtyske biografer, der lukker og dermed gør Bruno Winter ’; s (Rüdiger Vogler) projektionistjob i stigende grad forældet, men der er også personlige tab. Mest bemærkelsesværdigt er Brunos mangel på en farsfigur i hans liv, og Robert Lander ’; s (Hanns Zischler) fremmedgørelse fra sin egen far. Og med Wenders &ssquo; s sædvanlige vægt på detaljer om indgreb i Westernization - i et lydspor fyldt med amerikanske melodier - ”Kings of the Road” indebærer et bredere tab af kulturel identitet efter ødelæggelsen af ​​2. verdenskrig. Med sine mange scener med ømhed og humor er denne road-trip-epos langt fra en downer. Det er heller ikke letvægtsmæssigt: Wenders er ikke genert over at antyde, at selvmedlidenhed kan spille lige så meget af en rolle i Brunos og Robert 's predikamenter som nogen eksterne faktorer. I sidste ende kommer mindst en af ​​disse to karakterer til den evige erkendelse af, at som altid er tilfældet i livet, “; Alt skal ændre sig. ”;

“Den amerikanske ven” (1977)

Tilpasset fra Patricia Highsmith’; s “Ripley ’; s-spil, ”” Den amerikanske ven ”kunne ses som Wim Wenders’; s forsøg på noget som en mainstream-thriller - og med to mesterlige spændingssekvenser, der drejer sig om en karakter ’; s mordforsøg, viser Wenders sig selv ikke at være slurve med at tilfredsstille det blotte minimum af genreforventninger. Men dette er stadig en Wenders-film igennem og igennem - ikke kun i dets verden-travperspektiv, men i sin humørige eksistentialisme og psykologiske opacitet. Selvom den titulære “; amerikanske ven ”; henviser til den klodsede sociopat Tom Ripley (Dennis Hopper, idrætsmæssig en stor cowboyhue til et godt mål meget af tiden), er han mere en mystisk svævende tilstedeværelse; filmen fokuserer i stedet mere på den almindelige mand Jonathan Zimmermann (Bruno Ganz), der vender sig til mord, efter at han er dupet af Ripley og en fransk gangster (Gérard Blain) til at tro, at han ikke har meget længere tid til at leve. Finder Zimmermann noget pervers behageligt i sin nyvundne amoralitet? Det forklarer måske, hvorfor han og Ripley pludselig synes uadskillelige, i det mindste for en trylleformular, i filmens tredje akt. Uanset hvad der får disse figurer til at krydse, impulser filmens raffinerende sidste øjeblikke med tragedien fra karakterer, der har levet livet på kanten og betaler for det som et resultat.

'Paris, Texas' (1984)

Med sine friluftsindstillinger, klagerende Ry Cooder guitar score og fascination af billeder - især ikonografien i det amerikanske vest - ”Paris, Texas” føles bestemt som vrai Wim Wenders. Denne film fra 1984 har tilføjet en verbal veltalenhed takket være co-manusforfatter Sam Shepard, der bringer sit mærke af ekstra, markant amerikansk lyrisme til meget af dialogen. Spøgelser mærkes overalt i dette landskab - ikke kun i de nedbrudte moteller og ørkenlandskaber, som disse figurer krydser, men i det uklare ansigt af den centrale figur Travis (Harry Dean Stanton), hjemsøgt af beklagelse og ønske om genforbindelse, udtrykt lige så meget gennem bevægelser og handling som gennem ord. I sin anden halvdel bliver 'Paris, Texas' i sidste ende en fortælling om forløsning, når Travis søger efter sin tidligere kone, Jane (Nastassja Kinski), for at genforene hende med sin søn, Hunter (Hunter Carson). Hans sidste scene med Jane er stadig en af ​​de mest betagende og uudholdelige gripende forsoningsscener i hele biografen.

“; Wings of Desire ”; (1987)

Trobaseret allegori. Himmelske fabel. Ekspressionistisk doodle. En fortælling om jordbundne engle og Berlin før muren faldt. Beskriver “; Wings of Desire ”; har aldrig været let og destillerer dens fortællende essens, endnu mindre. Men så uigennemsigtig og mystificerende som “; Vinger ”; lejlighedsvis er det også en af ​​de mest svimlende smukke film, der nogensinde er lavet: lyrisk, melankolsk, svær og snørret med gennemtrængende tankevekkende magt. Tilsyneladende er det historien om to engle, der ser massen af ​​Berlins menneskelige befolkning fra de forgyldte hustag i byens berømte katedraler og lytter til deres private tanker, fortællinger og tilståelser. Og alligevel giver en sådan bogstavelig tænkt beskrivelse af plottet ingen retfærdighed over for den lysende majestæt i Wenders ’; s vision. Filmen blev optaget af den legendariske filmfotograf Henri Alekan, der også linse Jean Cocteau’; s tidløse “;Skønheden og Udyret, ” og den franske D.P. bringer nogle af den samme skinnende, uhyggelige magi til bordet også her. “; Vinger, ”når de undersøges nærmere, er en fortryllende undersøgelse af ensomhed: fra Gud, fra andre mennesker og til sidst fra verden som helhed. Der er nogle pæne komoser på vejen for cinephiles og kulturmavne, herunder et mindeværdigt udseende af musiker Nick Cave og hans gruppe the Dårlige frø, samt en charmerende drejning fra Cassavetes-regulær Peter Falk, der spiller SELV med at spille en engel (vi vidste altid, at Columbo var speciel). Det er en film, du ikke ser så meget som at trække vejret ind, lade dens underlige fornemmelser vaske over dig og gå igennem din krop. Man kunne gå så langt som at kalde det en religiøs oplevelse.

“Indtil verdens ende” (1991)

Den første halvdel af Wim Wenders ’; s epos fra 1991 spiller som en klodtrottende mysterium-thriller, som den fortabte sjæl Claire Tourneur (Solveig Dommartin) søger verden for at finde Sam Farber (William Hurt), som hun griber fast som den, der vil befri hende fra sin åndelige endui. Men først når vi opdager, hvad det er, der får Sam til at køre - en billedoptagelsesenhed, som han har stjålet, og som i det væsentlige hjælper blinde mennesker med at se - afslører 'Indtil verdens ende' sin kosmiske ambition fuldt ud. Filmen forestiller sig en verden på randen af ​​teknologisk apokalypse, hvor truslen om digitalt sammenbrud øjeblikkeligt hjælper med at bringe forskellige samfund sammen, før den isolerer mennesker i deres egne narcissistiske bobler. Når man ser det nu, er det overraskende at se, hvor meget filmen forventede med hensyn til de samfundsmæssige effekter af sociale medieplatforme som Facebook og Twitter; de mange billeder i sin sidste time med karakterer, som med blænding stirrer på skærme, der overvejer deres egne erindringer, er om noget endnu mere resonante i dag end de var tilbage i 1991. Med denne 4K digitale restaurering af den 295-minutters instruktør ’; s klip - sjældent screenet her i USA, og kun tilgængelig på video i Europa - flere målgrupper får endelig en chance for at se Wenders & apocalyptiske epos for den fantastiske visionære dårskab, den var beregnet til at være.

“; Buena Vista Social Club ”; (1999)

Wenders ’; s største crossover-hit nogensinde, en af ​​de mest succesrige dokumentarer gennem tidene (indtil dette tidspunkt), og instruktøren ’; s første Oscar-nominerede film, “; Buena Vista Social Club ”; har altid været en dyb fornøjelse. Det føles specielt interessant i et år, hvor U.S-Cubanske forbindelser endelig er optøet på en større måde. Instruktøren havde været en ven af ​​den legendariske slide-guitarist Ry Cooder da sidstnævnte scorede “;Paris, Texas, ”; og da Cooder begyndte at forene en line-up af legendariske cubanske musikere, der blev glemt, efter at Castro tog magten og indspillede et album og bringe dem på turné, var Wenders der for at dokumentere hvert trin. Den resulterende plade med samme navn havde været et kæmpe globalt hit to år tidligere, og optrædenes udsalg, men Wenders er lige så interesseret i folket og placeringerne end i musikken - det er ingen koncertfilm, som måske er lidt frustrerende for die-hard verdensmusikfans, men sjovere for resten af ​​os. Wenders er en af ​​de store dokumentører på stedet, og denne film lod ham pragtfuldt fange Havana, som var blevet mere og mere eksotisk for amerikanske publikum i de foregående tredive år. De mest mindeværdige og mest bevægende øjeblikke ser disse forbløffende musikere - inklusive 90-årige sanger Ibrahim Ferrer - leg sammen, grine sammen og endelig nyde anerkendelsen af, at de skulle have haft årtier tidligere.

disney + lancering

“; Pina ”; (2011)

Nogle kunstnere kan bare ikke hjælpe med at opfinde deres medium igen. Hvad Federico Fellini er på biograf, hvad William S. Burroughs er til litteratur efter 2. verdenskrig, det er det, tyskfødt Pina Bausch er at danse. Hendes arbejde ligner intet, du nogensinde har set før - hun smadrer reglerne for traditionel dans i små bits og stykker og danner herlige relikvier ud af murbrokkerne. Hun er et perfekt emne, med andre ord for den rastløse og evigt nysgerrige Mr. Wenders, der gjorde Bausch til emnet for sin Oscar-nominerede dokumentarfilm fra 2011 “; Pina ” ;. Skuttes stort set udendørs i danseren ’; s hjemby Wuppertal (i enormt effektiv 3D, ikke mindre) og opdelt i fire show-stop-dansnumre, “; Pina ”; er intet mindre end hypnotisk som en ren visning af æstetisk dygtighed. Dansesekvenserne har en sømløs, næsten hallucinerende kraft, hvilket resulterer i nogle af de mest livlige billeder, som Wenders nogensinde har formået at piske op. Og ærligt, hvis filmen ganske enkelt var det, ville vi ’; være helt fine med det. Men “; Pina ”; som det står er så meget mere - ud over at være et fantastisk lyd-og-lys-show, er det også et vildledende, snarende blik på en renegade-kunstner, der stolt og trodsigt marsjerede til sit eget trommeslag. Vi lærer Bausch at kende gennem interviews med samarbejdspartnere og familiemedlemmer, og Wenders er generøs nok til at lade os se hendes geni i bravura-stykker som “; Café Muller ”; nummer eller den følelsesladede finale, hvor scenen pludselig er oversvømmet med vand. I en karriere fyldt med mænd og udflugter til det ukendte, “; Pina ”; formår stadig at skille sig ud. Doc eller ej, dette er en af ​​instruktørens mere overbevisende billeder.

Ærlige mærker: Der er meget mere blandt Wenders & ekspansive filmografi, som ’; s værd at tjekke ud over dette. Blandt dem: 1980 ’; s “;Lyn over vand,”; om de sidste dage af Nicholas Ray’; s liv, det fascinerende, hvis ujævne 1982-billede “;Hammett, ”; Ozu doc ​​fra 1985 “;Tokyo-Ga,”; underholdende Golden Lion-vinder “;Tingenes tilstand”; og dens opfølgning i 1994 “;Lissabon-historien, ”; hans blandede samarbejde med Antonioni i 1995 ’; s “;Ud over skyerne”; og det interessante Sam Shepard-stjerner “;Don ’; t Come Knocking.”; Gik vi glip af dit yndlingsbillede af Wenders? Fortæl os din favorit i kommentarerne.

- Kenji Fujishima, Nicholas Laskin, Oliver Lyttelton, Rodrigo Perez



Top Artikler

Kategori

Anmeldelse

Funktioner

Nyheder

Television

Værktøjskasse

Film

Festivaler

Anmeldelser

Priser

Box Office

Interviews

Clickables

Lister

Computerspil

Podcast

Brand-Indhold

Priser Sæson Spotlight

Filmbil

Med Indflydelse