5 tip fra Master Cinematographer Gordon Willis

Vi har for nylig opdaget Craft Truck, en vidunderlig ressource til bag kulisserne information om filmskabelse. Jeff på Craft Truck interviewede master kinematograf Gordon Willis, der har arbejdet med Woody Allen, Francis Ford Coppola ,, Alan J. Pakula og andre store instruktører. Craft Truck har givet os tilladelse til at genudgive det her. Du kan læse Willis tip nedenfor og læse hans nekrolog her.



1. Klip hyperbolen.

Før interviewet begyndte sagde Gordon: 'Vores job er ikke at genskabe virkeligheden, vores job er at repræsentere virkeligheden.'



Han sagde, at uanset hvordan du skiver det, er fotografering kunst. Der er ikke et hierarki af realisme, fordi det ikke engang findes. Spørgsmålet er, hvordan bruger du de tilgængelige værktøjer til at fortælle en historie?



Lyder grundlæggende nok, men han har aldrig brugt ordet 'naturalisme.' Ikke en gang. Senere sagde han: 'Jeg tænker bare på …. Hvordan jeg vil have det til at se ud.'

Han brugte også “godt” og “dårligt” meget til at beskrive ting. Han bruger ikke ord, der ikke betyder noget. Han taler ikke om sit arbejde på måder, der ikke er enkle. Og det var sådan, han arbejdede.

Mens den mest komplicerede idé måske udtrykkes, var det Willis 'tilgang til at diskutere valg og fotografering på den klarest mulige måde.

Mens der er forskellige måder at arbejde på, er en god tilgang at skære hyperbolen. Vær lige og direkte med at finde ud af, hvad du laver, og hvordan du vil gøre det. Det lyder enkelt, men det er sværere end det lyder.

2. Skyd for at klippe.

Hurtigt ind i min samtale med ham, indså jeg, at Gordon talte om, hvordan skyde relaterer sig til skæring. Og på det tidspunkt sagde han dybest set, at skæring var alt. Han skyder ikke for at have en nærbillede eller en vid eller noget godt oplyst. Han skyder for at fortælle historien.

Dette betyder både med hensyn til, hvordan noget videresendes til et publikum - for eksempel en scene - og også hvordan man overfører mellem scener eller steder eller øjeblikke. Han relaterede sine følelser til B&W-film fra 30'erne og 40'erne.

Du har to mennesker, der taler eller kæmper, og de er i et to skud. (Boom, han bevæger skuddet, en lige på to skud). Det spiller rigtig godt. Så hvorfor ville du klippe?

Han udtrykte, hvad han gjorde så godt i så mange film. JA, hans belysning var forbløffende, men han var først fokuseret på, hvad der ville være i et skud for at afsløre informationen om historien trin for trin. Udseendet kom næste. Og sandsynligvis måde, måde, vej ned ad linjen er 'Hvad ville være et cool skud?' Jeg tvivler meget på, at dette var hans fokus, hvis nogensinde. Hvis et cool skud skete, skete det i sammenhæng med det, han gjorde - skyde for at klippe.

Havde han filmens ”look” i hovedet? Jo da. Men inden det kom ideen om, hvad skuddet var før, og hvilket skud der var bagefter. Med andre ord, hvad der skærer ned.

Bemærk: dette er ikke et forslag til instruktører eller fotografer om at optage på en sådan måde, at en redaktør ikke elyptisk kan forkorte, forlænge eller ændre en scene. Gud forbyde. Ikke mange mennesker har det nøjagtige instinkt, som Gordon selvfølgelig har. Men hans punkt kan internaliseres og anvendes meget oftere, end du måske tror. Nogle gange kan du lave en scene i en ”1’er”, hvis du helt sikkert ved, at det vil fungere i den endelige film.

3. Blokering sker.

På scenen er blokering bevægelsen og placeringen af ​​skuespillerne mellem hinanden. I film er blokering alt det, hvor kameraet er, hvad det gør, og hvilket objektiv der bruges. Det betyder, at blokering af film er mindst tre gange så kompliceret. I sidste ende var dette det vigtigste aspekt af, hvordan man udfører optagelsen af ​​en scene for Gordon. Det var bestemt vigtigere end belysningen. Og i mange tilfælde gør belysningen sandsynligvis meget lettere at opnå.

Ved at fokusere på, hvordan historien skal fortælles (dvs. hvad du ser, og når du ser den), giver det fotografen og instruktøren mulighed for først at koreografere og derefter tænke på, hvordan disse koreografiske øjeblikke går sammen.

amerikanske horrorhistorie episoder 11

Her er et kort klip af Gordon forholdet mellem instruktion og klipning:

Det lyder indlysende, men det kastes ofte med affaldet, når folk kommer ind på sættet. Derefter kommer 'brug af tæt på, brug for langskud, få dette få det.' De grundlæggende regler glemmes. Mange af Woody Allens største øjeblikke kom fra ikke kun hvordan de blev skrevet eller udført, men hvordan de blev spillet foran kameraet. Dette muliggjorde hastighed, økonomi og enkelhed i historiefortællingen. Utallige eksempler fra 'Annie Hall', 'Manhattan', 'Stardust Memories' osv. Mr. Willis var medvirkende til dette.



Ved at fokusere på blokeringen og hvordan skuespillerne kunne bevæge sig ind og ud af rammen, eller hvordan kameraet kunne vente med at følge dem, førte det til at finde ud af, hvad der spillede godt, og derefter hvordan man forbinder prikkerne fra den ene scene til den næste.

Grundlæggende tænkning med meget, meget artikulerede og raffinerede resultater.

4. Belysning bør ikke drives af usikkerhed.

Jeg vil gerne gøre dette til et 'bør', men i slutningen af ​​dagen er det lettere at sammenfatte, hvad Gordon følte om dette emne via et negativt. Fordi det er, hvad der sker 90% af tiden. Fotografer tænder for ofte til at få tingene til at se “wow” ud i stedet for først at blokere skuddet, bruge kameraet og rummet og skuespillerne, og derefter (og først derefter) involvere lys og få ting til at skinne.

Selvom belysning aldrig er 'let', kan det gøres meget enkelt, hvis du arbejder fra et sikkerhedsmæssigt punkt, hvad du ’; re gør. De fleste mennesker er ikke, de opererer fra usikkerhed. Det samme gen, der ønsker at komplicere en historie over, er det samme gen, der vil skyde og over lys. Og ganske enkelt, at & bulls og bull ikke hjælper noget.

Alle husker Brando-belysningen i “The Godfather”, som han ganske enkelt siger, var delvis motiveret af Brandos makeup og delvist fordi han ville åbne filmen i denne hulelignende indstilling, sidst på siden mod brylluppet udenfor.

Tænk på planetariumsekvensen i 'Manhattan.' Tænk på gåturen og taler i 'Stardust Memories.' Ingen lys. Næppe nogensinde med brede dagsudvendige ting for ham. De ser smukke ud, fordi de har ret til, hvad historien er på det tidspunkt.

JA Gordon var klar over, hvordan filmen “skulle se ud”, men det var mere baseret på en overordnet instinkt og følelse af følelse, som han nærmede sig et givet projekt. Han var meget sikker på sine valg og frie til at udforske enkelhed, hvis det betyder masser af lys, få lys, et lys eller ingen lys. Det er pointen.

5. Har en grund til dine beslutninger

Den ene ting, der binder alt sammen, er, at ethvert valg var baseret på en solid grund. Gordon brugte ofte en 40 mm linse. Hvorfor? Fordi det føltes rigtigt for ham, og fordi han følte, at perspektivet på linsen bedst muliggjorde ham - ja, og i forlængelse af publikum - for at se, hvad der skete på en rimelig måde.

Han sagde også, at han ser verden fra omtrent sin egen højde. Sikker på, at der var andre tidspunkter, hvor han brugte andre linser eller andre højder til at skyde fra, men det var fordi scenen, blokeringen, skæringen krævede det.

For at forenkle sit arbejdsområde stak han fast med værktøjer, der var komfortable og intuitive og arbejdede derfra. Han havde brug for en grund til at gå højvinkel, lav vinkel, bred, lang osv. Det meste af tiden træffes af et ønske om at rampe op stil i modsætning til virkelig at se på rækkefølgen og finde ud af, hvordan man bedst kan fortælle det og derefter udføre med enkelhed.

Så selvom det er okay at gøre noget fancy, skal der være en grund til det. I hovedskuddet fra Library of Congress i ”Alle præsidentens mænd” Gordons første reaktion på scenen var: ”Hvordan viser vi ideen om en nål i en høstak?” Så ud kom vinsjen og riggen og alt andet sammen med det. Og skuddet er fantastisk. Men du gør det ikke, medmindre det er nødvendigt, og du er naturligt blevet smidt væk fra grundlæggende principper.

Hvis du har en ærlig realistisk grund til, hvorfor du ønsker, at din film skal se ud på en bestemt måde; en grund til, at en scene skal klippes op på en bestemt måde; hvorfor det skal iscenesættes og tændes, som du ønsker det; og hvorfor det skal være uanset hvilken farvepalette du spiller med, har du en bedre chance for at komme ud af historiens måde i stedet for at kvæle den i stil, der ikke hjælper nogen.

Besøg Craft Truck. Se hele videointervjuet her, og lyt til den uredigerede podcast.



Top Artikler

Kategori

Anmeldelse

Funktioner

Nyheder

Television

Værktøjskasse

Film

Festivaler

Anmeldelser

Priser

Box Office

Interviews

Clickables

Lister

Computerspil

Podcast

Brand-Indhold

Priser Sæson Spotlight

Filmbil

Med Indflydelse